sábado, 31 de diciembre de 2011

Manu Chao - Próxima Estación: Esperanza (2000)

La verdad es que hoy no pensaba subir disco, pero como ya no pude hacer lo que estaba haciendo en lugar de estar escribiendo una entrada, aquí me tienen.

Manu Chao es un popular músico y cantante francés de origen gallego y vasco. Su fama creció gracias a que fue líder de la famosa Mano Negra, banda conocida por su mezcla de diversos estilos musicales, tales como Rock, Chanson, Flamenco, Ska, Reggae, Raï, Salsa y Punk Rock; línea musical que él también ha seguido durante su carrera de solista iniciada después de la desintegración de Mano Negra en 1994. Su estilo se distingue por sus letras en diversos idiomas (español, francés, inglés, portugués, gallego o árabe), así como por sus temáticas marginales (inmigración, drogas, barrios) de tendencia izquerdista y libertaria, pero siempre dejando espacio para los temas de amor y fiesta.

Próxima Estación: Esperanza es el segundo album en su carrera solista y es todo un logro. En un disco mucho más alegre que su anterior, Clandestino, Manu ofrece un viaje de ritmos que van desde un El Dorado afrocubano, hasta un Denia argelino/árabe, sin dejar atrás temas Reggae en honor a Bob Marley, acercamientos al Jazz con Trapped By Love/Le Rendez-Vous y canciones irreverentes y alegres como Papito o Promiscuity. Un disco no precisamente "político", pero sí internacional y lleno de energía y felicidad. Uno de esos que yo escuchaba cuando era un párvulo de primaria y en todos lados se escuchaba el "Me gustas tú". Ampliamente recomendado para este 2012 en el que se nos acaba el mundo.

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viernes, 23 de diciembre de 2011

John Zorn - A Dreamers Christmas (2011)

En serio, ir a ver a AMLO es como ir a un concierto de Rock: hay un vato que canta canciones anti-PRIAN, señoras apasionadas que primero gritan y gritan porras pero que a medio discurso ya están echando el chisme con la comadre, gente que aprovecha para hacer negocio vendiendo dulces y cigarros, y muchachas lindas que, si no fuera por sus banderitas amarillas, serían más lindas. En asuntos relacionados al blog, ¿recuerdan que el año pasado dejé como obsequio de Navidad el clásico Time Out del cuartero de Dave Brubeck? Pues hoy de nuevo les traigo un regalo que los alegrará en estos días de engorda: el disco navideño de John Zorn.

Ya he publicado varias cosas del buen John Zorn. Amado por muchos y criticado por otros (que si no es Jazz, que si es incomprensible, que si es muy mamón), este verano reunió de nuevo a Marc Ribot (guitarra), a Jamie Saft (teclado), a Kenny Wollesen (vibráfono), a Trevor Dunn (bajo), a Joey Baron (batería), a Cyro Baptista (percusiones) y a Mike Patton (voz), y los puso a tocar reinterpretaciones de canciones navideñas para un disco que, algo anticipado, salió a la venta desde Octubre y que ustedes no se podrán perder.

"La mayor sorpresa del año es este hermoso CD navideño de John Zorn. Zorn ha elegido siete de sus canciones navideñas favoritas, y además escribió dos encantadoras canciones originales, todas ellas interpretadas aquí al puro estilo clásico de Dreamers, con un montón de solos excitantes, colores exóticos y lirísmo pegadizo. Este trabajo, impregnado de un alegre espíritu navideño, inocencia, y con un toque de nostalgia y de lirísmo encantador, es música para todas las edades, la cual te hará sonreír deleitosamente desde el comienzo de las primeras notas. Como un regalo especial, el vocalista Mike Patton ofrece una interpretación íntima y sentida de Chestnuts Roasting on an Open Fire, lo que transforma a A Dreamers Christmas en un clásico instantáneo y un CD esencial para cualquier celebración navideña contemporánea". (Tzakid Records)

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jueves, 15 de diciembre de 2011

Herbie Hancock - Man-Child (1975)

Después del furor del día de las Lupitas y ante el furor incipiente del inicio de las fiestas decembrinas, me decidí a postear un disco que, si son inteligentes como quiero suponer que son, no podrán dejar de poner en sus orgiásticas celebraciones a las cuales me pueden invitar con la condición de que tengan ponche que ofrecer y no sólo mundanos placeres carnales que ni siquiera son de mi agrado.

Herbie Hancock es uno de los más importantes pianistas y compositores de Jazz que aún nos sobreviven. Nacido en Chicago en 1940, fue un niño prodigio que a los once años ya tocaba en la Orquesta Sinfónica de Chicago y que a los 21 años ya firmaba un contrato con una de las más importantes discográficas de Jazz: la Blue Note Records. Formó parte del grupo del gran Miles Davis, a quien habría de reconocer como su músico preferido, y después de inmiscuirse un rato en el budismo llegó a la conclusión de que el sentido de su vida era hacer feliz a su público. Dicen aquellos que han escuchado toda su discografía que Hancock ha tocado todos los estilos de Jazz después del Bebop, excepto Free Jazz, incluidos acercamientos a géneros como el Hip-Hop, el Soul y el Techno.

Man-Child es un álbum ubicado dentro de la setentera etapa funky de Hancock, un fabuloso disco del más energético Jazz Funk/Fusion. Entre esos ritmos pegajosos y repetitivos, entre esas potentes líneas de bajo que te hacen caminar por la calle like a boss, entre esos riffs de guitarra con pedal de distorsión Wah Wah que te ponen a bailar por toda la casa, aparecen los solos de saxofón de Wayne Shorter, un peculiar solo de armónica a cargo de Stevie Wonder y, el plato fuerte del disco, los electrizantes solos de Herbie Hancock en los sintetizadores y el clásico Fender Rhodes del cual fue uno de los primeros representantes. Un disco que hace vibrar tus fibras desde los primeros minutos hasta los últimos y que, sin duda, cumple a la perfección el objetivo de Hancock: hacer feliz a su público.

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domingo, 4 de diciembre de 2011

Circa Survive - On Letting Go (2007)

Ya estamos en diciembre y yo ya ando pensando en pedirle al Santa Claus lo que los infelices Reyes Magos jamás me han traído por mucho que se los pido: una muñeca inflable, cajas de condones, un paquete de películas porno y una bicicleta. Así que espero que se anime el gordo y por fin tenga mi bicicleta. En otros asuntos, el post de hoy es a petición de mi sobrino Rodrigo, quien me pidió que posteara algo de Circa Survive y lo mencionara también a él pues quería tener sus cinco minutos de fama (iluso, si supiera que nadie lee mi blog). Así que servido, compadre.

Circa Survive es una banda de Indie-rock/Post-hardcore/Alt rock experimental radicada en Philadelphia, Pennsylvania, y liderada por Anthony Green, conocido principalmente por haber sido el vocalista de la famosa banda de Post-hardcore Saosin. Formados en 2005, cuentan ya con tres álbumes de estudio y dos EP's, con los que han dejado ver una evolución musical y un estilo singular (aunque últimamente se les pueda acusar de mainstream) que en general no ha defraudado ni a público ni a críticos, consolidándose como una de las bandas más originales y sólidas en una escena que a veces suele pecar de monótona.

On Letting Go es a mí juicio el mejor álbum de la banda. Los chicos continúan con el sonido desarrollado en su primer álbum, Juturna, pero lo llevan un paso más allá y terminan por crear algo más elaborado y profundo. El resultado es un sonido "espacial": con melodías atmosféricas, suaves y melancólicas que se concatenan a poderosos riffs; con intensas baterías; con introspectivas y confusas letras interpretadas por esa voz suave y abrumadora característica de Anthony Green; ah sí, y con una muy bonita portada.

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jueves, 24 de noviembre de 2011

John Zorn - The Gift (2001)

Ora, sí, ora, sí, por fin subiré el esperadísimo y codiciado disco de John Zorn, el cual más bien solamente yo esperaba subir porque a mis lectores del blog les da igual lo que suba o no suba, además de que ni leen puesto que ni siquiera existe la gente que lee mi blog... Así creo que me iré a llorar cuando termine de escribir el post.

John Zorn es un saxofonista y compositor neoyorquino que ha experimentado con una cantidad inmensa de géneros y estilos musicales, desde la música Clásica hasta el Hardcore, pasando por la música para filmes, para caricaturas, de cámara, sonidos electrónicos, el Klezmer, el Jazz, el Rock, el Surf, el Noise y cuanta cosa haya escuchado y decidido adoptar. Considerado por él mismo como un artista Avant-garde y de música experimental, cuenta ya con más de cien discos en su repertorio, tanto en su faceta de intérprete como de compositor, algunos en solitario, otros con diversas agrupaciones que ha formado y otros interpretados por distintos músicos. Ya antes he publicado algo de él en su faceta Grindcore/Free Jazz con una de sus bandas emblemáticas llamada Naked City, así como de uno de sus trabajos más recientes con su radical reinterpretación de la música judía a cargo de The Dreamers.

Pero hoy ni nos pondremos semitas ni nos pondremos hardcore y más bien nos pondremos melosos pues The Gift es un álbum que pertenece a su Music Romance Series. Es en esencia un álbum de Exotica, ese antiguo género popularizado por Martin Denny, Les Baxter y Esquivel durante los años 50's y 60's. Sin embargo, Zorn no lo deja ahí y saca a relucir su ecléctico ingenio para incluir pasajes de Surf-rock psicodélico a cargo de la guitarra de Marc Riboot, así como una sensual balada interpretada por el trompetista Dave Douglas, guiños a la música oriental con Jamie Saft en el piano/organo y Cyro Baptista en las percusiones, e incluso un tema que busca reflejar los sonidos del Más allá con Mike Patton en las voces. Un disco lleno de arreglos deliciosos, relajantes y cálidos que son todo un viaje auditivo, mostrándonos uno de los más altos logros musicales del gran John Zorn. Un regalo, como el título lo dice, un disco imperdible.

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domingo, 20 de noviembre de 2011

Michel Camilo - Thru my Eyes (1997)

Como algunas personas que me conocen saben, últimamente ando vuelto loco con la música de John Zorn, así que mi intención era postear algo de él el día de hoy, lo cual no ocurrirá porque sucede que desde hace tiempo quería publicar este disco y decidí no aplazarlo más.

Michel Camilo es un importante pianista y compositor nacido Santo Domingo, República Dominicana, en 1954. Especializado en el Jazz, la música latina y la música clásica, desde su infancia mostró aptitudes musicales. Estudió en el Conservatorio Nacional y a los 16 años ya formaba parte de la Orquesta Sinfónica Nacional Dominicana. En 1979 emigró a Nueva York con el objetivo de seguir estudiando y fue ahí en donde su carrera tomó un impulso sorprendente. Formó parte de la orquesta del gran Tito Puente y de la banda del saxofonista Paquito D'Rivera. Ha trabajado con infinidad de importantes músicos como Dizzy Gillespie, Herbie Hancock, Katia y Marielle Labeque, Eddie Palmieri, Airto Moreira, Mongo Santamaría, Winton Marsalis y Cachao, entre otros; pero sin duda una de sus colaboraciones más fructíferas ha sido el trío que integra al lado del bajista Anthony Jackson y el baterista Horacio "El Negro" Hernández. También ha escrito música para films, actuado como director de orquesta, ganado importantes premios musicales, recibido distinciones en varias escuelas de música y universidades, y ofrecido conferencias en muchas de las mismas.

Thru My Eyes es una más de sus colaboraciones con Anthony Jackson y El Negro Hernández. Como el título del álbum lo indica, el objetivo de Michel Camilo es ofrecer una visión, y versión, propia de algunos jazz standards que han sido su inspiración al momento de escribir o tocar. Así, sus interpretaciones y solos muestran un estilo brillante, fluido, lleno de pasión y bastante fresco; mientras que Anthony Jackson con su bajo de seis cuerdas (instrumento que él mismo inventó) y El Negro Hernández con un set de batería que incluye bongós, timbales, cencerros y bloques, dejan ver una gran vitalidad, una conexión y una complejidad tremendas que están al nivel de su pianista líder. Sin duda uno de mis discos favoritos.

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lunes, 7 de noviembre de 2011

Pretty Girls Make Graves - Élan Vital (2006)

Me duelen los ojos, me duelen, me duelen, se me van a caer.

Pretty Girls Make Graves fue una banda de Indie-rock/Post punk revival formada en el año 2001 en Seattle, EEUUAA, que tomó su nombre de la canción homónima de los legendarios The Smiths. Andrea Zollo, vocalista y baterista, había formado parte de la banda de Garage Punk The Hookers junto a Derek Fudesco, bajista, quien también fue miembro de la banda de Punk-rock The Murder City Deviles, a quienes posteé alguna vez por acá. Pretty Girls Make Graves editó tres álbumes, además de varios EP's y sencillos, para luego desintegrarse en el año 2007.

Élan Vital es el tercer y último álbum de los muchachos y, a diferencia de sus discos anteriores, en los que se aprecia cierta influencia Post-hardcore, con festivos riffs y alocadas voces, con éste decidieron tomar un rumbo tal vez más relajado, pero mucho más experimental. La inclusión de instrumentos como el saxofón, la trompeta, el acordeón o la melódica compensa intensidad con complejidad. La voz de Andrea Zollo, fuerte, dulce y provocadora está en donde debe estar; la guitarra de J. Clark, con sus riffs entrecortados y efecto delay, acompaña las sencillas melodías en el teclado a cargo de Leona Marrs (quien entró en sustitución del guitarrista anterior y seguramente fue pieza clave en el desarrollo del nuevo sonido de la banda); mientras tanto Derek Fudesco en el bajo y Nick Dewitt en la batería ponen una serie de ritmos que incluso llegan a coquetear con un Funk muy bailable. Uno de mis discos favoritos, tanto musicalmente como por su singular y simpática portada.

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lunes, 31 de octubre de 2011

Belle Epoque - A la dérive (2005)

El disco del post pasado me dejó picado con eso de la onda skramie, así que uno más no cae mal.

Belle Epoque fue una banda francesa de Screamo que estuvo activa de 2004 a 2006. Los muchachos, parisinos si no me equivoco, sólo lanzaron un demo y un EP, aunque actualmente planean editar un disco con otros temas que grabaron durante su vida activa.

Así Belle Epoque, con su corta existencia y escasa producción musical, se convirtió en una de las bandas más reconocidas de la escena skramz europea de la década pasada, y este álbum/EP en uno de los mejores en la historia del género. Guitarras limpias, gritos naturales, baterías polirrítmicas llenas de altibajos, explosiones y calma. Todo lo que un disco de Screamo debe tener, sin dejar de lado la melancolía y la incertidumbre. En mi opinión, la mejor banda de Screamo europeo después de Daïtro.

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viernes, 28 de octubre de 2011

Colosio - Heroes of Ghost Demo/EP (2010)

A ver, muchachos, esta vez les traigo un post de la banda de un compadrito.

Colosio fue una banda mexicana que mezclaba elementos de Crust, Hardcore y Screamo, de esas poquísimas bandas mexicanas que andan en la onda skramz. Los chicos, procedentes de Tijuana, México, estuvieron activos un año aproximadamente (¿el pasado?) y sólo grabaron este EP más una canción que iba a formar parte de un compilado. Material recomendable, sobre todo si tomamos en cuenta el poco material mexicano skramie se produce hoy en día. Dense también una vuelta por su blog, en donde encontrarán material musical interesante: http://sonicboredom.tumblr.com/

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sábado, 22 de octubre de 2011

At the Gates - Terminal Spirit Disease (1994)

Últimamente he estado escuchando disquitos de prepa, no de la época de post-hardcore kid adolescente, sino de cuando escuchaba música más "malota" y tenía un cabello largo que podía mover desquiciadamente de un lado a otro, de arriba pa'bajo, haciendo movimientos que evocaban los blowjobs más hardcore que se han visto en el cine porno. Así que el disco de hoy es uno de esos que uno a veces abandona para luego redescubrir lo mucho que le gusta.

At the Gates es una banda sueca de Death Metal nacida en 1990 en la ciudad de Gotemburgo. Liderados por el vocalista Tomas Lindberg, fueron pioneros del sonido que habría de dar origen al Melodic Death Metal. También incluyeron elementos de Black Metal en su música, creando un peculiar estilo que influenció a toda una generación de bandas tanto de Melodic Death como de Metalcore y Black Metal. Con sólo cuatro álbumes en su repertorio, la banda se desintegró en 1996, pero en 2008 se reunió para una gira mundial que produjo un álbum en vivo y un dvd. Sus miembros han trabajado posteriormente en bandas como Disfear, The Haunted, Nightrage o Craddle of Filth.

Terminal Spirit Disease es el tercer disco del grupo y el que marca un claro rompimiento con su sonido anterior, más inclinado al Death Metal clásico. La banda ahora abandon el uso exhaustivo de riff secos para experimentar con ese juego de dos guitarras que deambulan entre riffs agresivos y melodías lúgubres. Los ritmos complejos y cambiantes que solía usar dan lugar a otros más estables y continuos. Las vocales de Tomas Lindberg se oyen agónicas y ásperas. El álbum en conjunto refleja un ambiente desolado, seco, frío y angustioso. El guitarrista Anders Björler lo consideró un disco muy simple al compararlo con los anteriores y a Tomas Lindberg no le agradó jamás el diseño de la portada, pero el público no ha dejado de aceptarlo y reivindicarlo como una obra única en la historia del Metal sueco.

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viernes, 14 de octubre de 2011

Fania All-Stars - Live at the Cheetah Vol. 1 y 2 (1972)

"Que sí, que no, el macalacachimba, que no, que sí, el chafirete, uh, el chafirete".

Fania All-Stars fue un supergrupo de música afrocubana formado por la élite de músicos del sello Fania Records. El grupo alcanzó fama internacional en la década de los 70's, dirigido por el director y compositor musical Johnny Pacheco, cofundador, junto con el empresario Jerry Masucci, de Fania Records, sello que habría de ser el principal impulsor y difusor del movimiento musical neoyorquino de origen afroantillano que asimiló la herencia caribeña, la renovó y le agregó su propio toque urbano, creando así un estilo nuevo que terminó por ser denominado como Salsa. Entre sus miembros estuvieron varios de los más importantes músicos de Salsa y Latin Jazz (Celia Cruz, Willie Colón, Rubén Blades, Ray Barretto, Mongo Santamaría).

Live at the Cheetah, grabado el 26 de agosto de 1971, marca un antes y un después en la historia del género: es el inicio del boom salsero de los años 70's. Fue la segunda reunión oficial de los Fania-All Stars y, puesto que la primera no resultó muy exitosa, se esperaba una experiencia similar ésta. El resultado fue totalmente distinto: el lugar se llenó con 4 mil personas, el doble de la capacidad del local, y se cuenta que inclusive una larga fila de dos cuadras no pudo entrar. Los espectadores han descrito el show como una noche delirante de Salsa, en donde la rumba, el guaguancó, la guajira y descargas a cargo de virtuosos músicos, pusieron a gozar a todo mundo. Del show también existe un documental titulado Our Latin Thing, el cual captura en video aquella noche de un frenesí musical que apenas estaba arrancando.

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lunes, 10 de octubre de 2011

Porcupine Tree - Fear of a Blank Planet (2007)

Para todos aquellos que no bajaron el último disco que subí porque sabían que era puro ruido y gritos a lo baboso como me gustan, hoy me redimiré con uno de los mejores discos que se han hecho en la última década y, por supuesto, de mis favoritos.

Porcupine Tree es una conocida banda inglesa de Rock progresivo. Formada en 1987 en Hemel Hempstead, Inglaterra, más bien como una banda ficticia o "broma" de Steven Wilson (líder, guitarrista y cantante del grupo) que experimentaba en su estudio de grabación casero, la banda se consolidó en 1993 cuando comenzó su éxito en la escena progresiva inglesa y posteriormente europea. Con el lanzamiento de su tercer álbum, The Sky Moves Sideways, el grupo fue llamado por el público y los críticos el Pink Floyd de los 90's, aunque Steven Wilson lamentó este hecho y negó reconocer a su banda como tal. Hasta la fecha han lanzado 10 álbumes de estudio, cuatro directos, tres recopilaciones y demás cantidad de sencillos y EP's.

Fear of a Blank Planet es, como dicen algunos, la "consagración" de Porcupine Tree. Es un disco conceptual en toda a extensión del término. Las letras, basadas en la novela Lunar Park de Bret Easton Ellis, reflejan la visión que tiene un niño de 11 años sobre problemas que sufre como conflictos familiares, desorden bipolar, déficit de atención, aburrimiento, enajenación tecnológica y el vacío interno que todo esto conlleva; es la historia de un niño que pasa todo el día encerrado en casa, viendo porno, descargando películas, escuchando música en el iPod, jugando videojuegos y usando el celular. A muchos ya con más de veinte años nos parecerá bastante familiar la historia. Musicalmente el álbum es un paraíso de atmósferas oscuras e introspectivas, de teclados y loops electrónicos que son el fondo, el escenario en donde arpegios y riffs acompañan a una batería sólida y construyen armonías tranquilas y suaves o secciones duras y densas. Un disco que en sí es un solo tema de 51 minutos dividido en seis secciones que nos muestran desde la parte más ligera y melódica de Porcupine Tree hasta la más rápida y pesada. Una obra de arte.

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domingo, 2 de octubre de 2011

Fuck on the Beach - Endless Summer (2001)

Si había alguien que cuestionaba mi criterio y buen gusto musical, después de escuchar este disco dejará de hacerlo y aceptará que no lo tengo.

Fuck on the Beach es una banda japonesa de Powerviolence/Fastcore que quién sabe cuándo se formó. Estos muchachos han grabado varias cosillas por ahí y nadie sabe más de ellos. Su música es rápida, más rápida, rapidísima (¿Fastcore?), agresiva, enojada, gritada estúpidamente y disonante; Hardcore Punk al extremo y a la locura. Las letras suelen estar en Engrish, ese inglés malhablado que existe en Japón. Veinte minutos de demencia y Punk absurdo patea bolas.

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sábado, 24 de septiembre de 2011

As I Lay Dying - Frail Words Collapse (2003)

El último disco que publiqué me dejó en estado teen y desde ese día ando preposo, teniendo esos reencuentros nostálgicos con los archivos olvidados de la biblioteca musical.

As I Lay Dying es una de las bandas más importantes y originales en la escena del Melodic Metalcore (para mí la mejor del género). Formados en el año 2000 en San Diego, California, han publicado cinco álbumes, un split y un dvd. Son conocidos, y muy criticados, por ser cristianos, algo realmente intrascendente puesto que su música y letras no son propagandísticas o fanáticas, sino de índole personal y cotidiana. De los miembros originales, sólo el baterista Jordan Mancino y el vocalista Tim Lambesis continúan en la banda.

Frail Words Collapse es el segundo disco del grupo y el que considero su mejor hasta la fecha. Además fue uno de mis primeros acercamientos al grupo y al género. Las voces limpias de los álbumes posteriores aquí no aparecen (salvo en una canción), todo el peso vocal recae en la estruendosa voz de Tim Lambesis. Por su parte, Jordan Macino y su batería ofrecen un sonido hueco y fugaz, jugando con los breakdowns, haciendo cambios inesperados, repitiendo, a veces, ese ritmo característico del Hardcore que incita al circle pit. Sin dejar de lado ese juego entre riffs y melodías entrecortadas heredados del Melodic Death sueco a cargo de los guitarristas Evan White y Jasun Krebs. En resumen, un álbum peculiar, duro, rápido y bien ejecutado.

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miércoles, 21 de septiembre de 2011

Deftones - White Pony (2000)

Últimamente estoy en crisis existencial y no sé qué clase de discos subir al blog. Sucede que un día escucho tal disco y se me ocurre subirlo, luego al día siguiente escucho otro y también lo quiero subir, después, el día que sigue del día siguiente, me pasa lo mismo y la historia se repite el día siguiente del siguiente del día siguiente, en una cadena perniciosa e improductiva, porque al final ni subo nada, ni posteo nada y todo queda en puras intenciones. Así que la mayoría de los discos que subo, o los posteo un mes después de cuando más ganas tenía de hacerlo, o los posteo en el preciso momento en el que tuve la idea, o sea, impulsivamente. Pero bueno, eso a ustedes ni les importa, seres mundanos que ni leen lo que escribo y nomás le dan click al link de descarga.

Deftones es una de esas famosas bandas que son tanto aclamadas como criticadas por su peculiar estilo musical. Formados en 1988 en Sacramento, California, y liderados por el carismático vocalista Chino Moreno, los muchachos ya han lanzado seis álbumes de estudio, además de varios EP's y demos. También han ganado dos discos de oro y dos de platino, cosa que a muchos ni nos viene ni nos va, pero que suena bonito cuando uno lo lee.

Yo no me considero un verdadero seguidor de los Deftones, pero sí soy un amante declarado del White Pony, uno de esos discos que marcan toda una etapa de tu vida. ¿Y cómo no? Si lo conocí en pleno inicio de la pubertad cuando uno, generalmente, empieza a descubrir música por su cuenta y se vuelve skater (jaja). El sonido del disco es único en el mundo, cargado de riffs duros, densos y al mismo tiempo atmosféricos (lo que algunos dicen ser influencia Shoegaze), de algunos efectos electrónicos y de la seductora y adormecedora voz de Chino Moreno. Un trabajo que sumerge al oyente en un ambiente a veces sofocante (como en los furiosos temas Feiticeira, Street Carp o Korea), a veces tranquilizador (como en Digital Bath, Teenager o Change -In the house of flies-), pero siempre catártico. Uno de los discos más importantes de la década pasada, del cual les dejo la reedición de portada blanca porque es la que yo conocí.

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domingo, 11 de septiembre de 2011

Ahmad Jamal Trio - The Awakening (1970)

"La burra no es arisca, los palos la hicieron". ¿O no encaja perfecto ese famoso refrán con lo que voy a publicar hoy? Pues no, la verdad es que no tiene nada qué ver pero quería ponerlo.

Ahmad Jamal (Frederick Russell Jones) es un importante pianista y compositor de Jazz. Es reconocido por el crítico Stanley Crouch como el segundo en la importancia en el desarrollo del Jazz después de 1945, estando sólo detrás del famoso saxofonista Charlie Parker. Otra muestra de su importancia es que el legendario trompetista Miles Davis lo nombró como su principal influencia. Nacido en 1930 en Pittsburgh, Jamal comenzó a tocar el piano a los tres años y a los siete ya tocaba profesionalmente, pero no fue sino hasta los veinte cuando comenzó con las grabaciones y por ende los éxitos en su carrera artística. Su discografía ya se aproxima al medio centenar de álbumes.

The Awakening es un álbum que se mueve dentro de la tradición del Cool Jazz. Ahmad Jamal nos ofrece un piano que juega con la tensión y la soltura, con un sonido denso pero al mismo tiempo equilibrado y sumamente virtuoso. El trío se complemente con el bajista Jamil Nasser y el baterista Frank Gant, cuyo trabajo en ciertos pasajes desprende furia y rapidez, pero que al trabajar como trío es un todo armónico, tranquilo y relajado. Uno de mis álbumes favoritos en mi escaso conocimiento del género.

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domingo, 28 de agosto de 2011

Alexisonfire - Self Titled (2003)

Sigo planeando mi venganza contra el mundo y contra mis enemigos, que realmente son los mismo que el mundo, así que no tengo tiempo para escribir una reseña y además no quiero. Sólo dejo el primer álbum de Alexisonfire, una de las mejores bandas Post-hardcore que han pisado este humilde planeta. Ya antes por acá y por acá había posteado algo de ellos.

Obviamente no es su mejor álbum, pero está bien para pasar el rato y sentirse adolescente. Además tiene temas que me gustan mucho como .44 Caliber love Letter, The Keneddy curse, Adelleda o la increíble Jubella. Por cierto, la banda recientemente se desintegró, así que pueden ponerse a llorar si nunca los vieron en vivo.

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sábado, 20 de agosto de 2011

Ray Barretto - La Cuna (1979)

¿Alguna vez les ha pasado que escuchan una canción y se imaginan a ustedes mismos en Miami Beach, en los 70's, con unas gafas de sol, conduciendo un convertible, traje azul, camisa medio desabotonada y unas nenas en su nave o, mejor aun, huyendo de la policía porque son unos mafiosos? Pues a mí me pasa con algunas canciones de este disco. O sea, goey, mi sueño es ser un Tony Montana pero medio Funk, algo así como un Mirrey cool de los 70's. ¿Ah, verdad? Nadie se imaginaba que en el fondo de mi tímido ser soy todo un guarrazo.

Raymond Barretto Pagán, conocido como Ray Barretto y apodado "el Manos duras", fue uno de lo más importantes congueros en el mundo del Jazz, Latin Jazz y la Salsa. Nacido en New York City, pero de origen puertorriqueño, creció en el Spanish Harlem, disfrutando la música afrocaribeña de su madre y escuchando en la radio a grandes del Swing como Duke Ellington, Benny Goodman o Count Basie. Alguna vez tocó al lado del famoso Charlie Parker. Estuvo en la banda del gran Tito Puente antes de ser el líder de la propia. Se movía por los más diferentes y variados estilos: Guaguancó, Chachachá, Pachanga, Bugalú, Latin soul y lo que se conocería después como Salsa. Fue un músico prolífico que colaboró con los más importantes del Jazz y Latin Jazz de su época y cuya influencia ha sido ampliamente reconocida tanto por el público como por otros intérpretes. Barretto murió en Febrero de 2006 a causa de problemas cardiacos.

Pero mejor vamos a lo que nos truje, Chencha. La Cuna es reconocido como uno de los mejores álbumes de Ray Barretto en su lado de Jazz Latino. Acompañado de Charlie Palmieri en el piano, Tito Puente en los timbales, Joe Farrell en el saxo y la flauta y Steve Gadd en la batería, Barretto ofrece una explosión de ritmos afrocaribeños suaves que coquetean delicadamente con un estilo Funk muy fresco, dejando espacio para solos discretos de guitarra y saxo. En cierto sentido, es un álbum experimental y de fusión cuyo resultado no puede dejar insatisfecho a nadie. Uno de mis favoritos de la movida latina jazzera. Y como un tal Alex Henderson dijo "Barretto pudo odiar el término 'Latin jazz' pero no se equivoquen: La Cuna es una de sus más memorables contribuciones al género".

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domingo, 14 de agosto de 2011

Cal Tjader - Talkin' Verve: Roots Of Acid Jazz (1996)

Barbarella, Bar-Bar-Barbarella (8) Ven a mí.

El vibrafonista Cal Tjader se ha convertido en uno de mis predilectos en el Jazz Latino. Luego ya no sé qué, quiero postear algo pero en verdad que no tengo ni un poquito de inspiración para escribir. Así que leen la biografía de Tjader acá en wiki, se bajan este compilado y sonríen como locos. ¡Guachi guaro!

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jueves, 4 de agosto de 2011

Tito Puente - Dance Mania Vol. 1 (1957)

Ya que pasó el furor del Fuaaaaa, de Eruviel y de la sub-17, los cuales me tenían pegadísimo al televisor como a todo buen ciudadano, puedo volver con tranquilidad a esto de los discos y las descargas.

Ernest Anthony Puente, para los compás nomás Tito Puente y para los menos compas "El rey de los timbales", fue uno de los más importantes representantes de la música Afrocubana y el Jazz Latino, y también para algunos el primer músico puro de Salsa (aunque a Puente nunca le agradó este término, considerándolo absurdo). Nacido en 1923 en el Spanish Harlem, El Barrio, en la ciudad de Nueva York, creció escuchando a las Big band de Jazz de su ciudad. Aprendió a tocar diversos instrumentos (timbales, batería, piano, vibráfono, marimba, saxo alto, clarinete), pero se destacó finalmente por su virtuosismo en los timbales, el vibráfono y la marimba. Su carrera como compositor, intérprete y arreglista, iniciada en los años 40, fue prolífica y duró hasta su muerte en junio de 2001. Tan populachero era que apareció en programas de televisión como La hora de Bill Cosby, Plaza Sésamo y Los Simpson (ajá, componiéndole una canción a Mr. Burns, ese "con el corazón de peeeerroooo").

Dance Mania Vol. 1, lanzado en 1957 y remasterizado en 1992, es uno de los álbumes más importantes de Tito Puente como líder de orquesta. Con once personas entre trompetas y saxos y músicos importantes como Ray Barretto en las congas, Ray Rodriguez en el bongó o Santitos Colón en la voz, Puente nos ofrece una descarga de ritmos como el Mambo, el Guaguancó y el Chachachá con gran influencia de Jazz/Swing, mostrando el particular sonido "neoyorquino" de música afrocubana que puso a bailar tanto a latinos como anglosajones. Y como muchos de ustedes saben, esta música nunca pasa de moda, así que bájenlo, babosos.

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viernes, 29 de julio de 2011

Son Goku

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viernes, 22 de julio de 2011

Mario Bros.

jueves, 30 de junio de 2011

¿Qué es el Fua?

"Ya no puedo, ¡pero voy a sacar el fuaaaaa!; y lo voy a sacar porque tengo que dar el extra, ¡fuaaaaaaaaaaa, carácter! Voy y saco; el fuaa significa cuando sacas el carácter del estómago y dices 'lo voy a hacer, es que ya no puedo, ya no puedo, ya no puedo' ¡cómo no! ¡fuaaaaaaaaaaa, fuaaaaaaaaaa! Y saco el carácter, y saco la fuerza y saco el poder, eso es el fuaaa"

Cumbia Mix Vol. 1



¡Ay papá!

01. Cumbia Mix - Megamix
02. DesDe Lejos - Los Askis
03. Te Necesito - Los Angeles Azules
04. Agua De Vida - Perla Colombiana
05. Conga Y Timbal - Los Yaguaru
06. Con Toda El Alma - Alfredo Gutierrez
07. Como Quien Pierde Una Estrella - Sambao De Colombia
08. Mi Razon De Ser - La Tropa Vallenata
09. He Creido - Grupo Saya
10. Sangre Caliente - Perla Colombiana
11. Cumbia Azteca - Los Askis
12. El Pecado - Los Angeles Azules
13. No Voy A Llorar - Aron Y Su Grupo Ilusion
14. Perdoname - Chon Arauza y La Furia Colombiana
15. Muchacha Encantadora - Los Vallenatos
16. Tic, Tic, Tac, - Jaime Hernan Y La Cacique
17. Vuelvo A Sentir - Grupo Cañaveral

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miércoles, 29 de junio de 2011

Darkthrone - Dark Thrones and Black Flags (2008)

Me acaban de recordar que tengo un blog y se me ocurrió hacer un post rápido.

Darkthrone es una banda noruega de Black Metal formada en 1987 y asociada Movimiento noruego de Black Metal de los 90's, conocido por su repudio al cristianismo, sus ideales paganos y satanistas, la exaltación de la cultura vikinga, la quema de iglesias y uno que otro asesinato. ¡Pura cosa del diablo, que Dios nos agarre persignados!

La buena noticia, para los espantados, es que este álbum no presenta el sonido normalmente asociado al Black Metal, sino que la banda se remonta a los orígenes del género, como había hecho en sus dos discos anteriores, y ofrece un estilo más inclinado al Crust Punk 80's, dejando en claro que el Metal y el Punk jamás han estado separados: "Hiking Metal Punks forever!!!" Además el título es una clara alusión a nuestro clásica y bienamada banda de Hardcore Punk Black Flag. Ahora sí, ¡escúchense este disco y saquen el fuaaaaaaaaaaaaa!

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lunes, 20 de junio de 2011

Soda Stereo - Dynamo (1992)

Yo sé que ninguno de ustedes se dio cuenta, pero la semana pasada mi blog cumplió un añote de estar en funcionamiento: ¡Ay papá, un añooote! Me alegra mucho que haya sido así, creo que he cumplido muy bien mi objetivo de ir subiendo discos que me han gustado en la vida, discos que de cierto modo forman parte de mi persona. He tenido problemas de copyright: me han borrado archivos de mediafire o me han quitado entradas del blog, pero en general son más los links vivos que los muertos y no me han cerrado el blog como también suele ocurrir. He recibido buenas críticas sobre mis reseñas, otras no muy buenas, algunas personas seguramente ni las leen, pero así es como funciona este submundo de los blogs. Sólo me queda agradecer a los que siguen mi blog con cierta regularidad y se bajan los discos: Gracias, compadres y comadres. Y para celebrar el primer aniversario de mi blog traigo algo que ¡ahhh!

Júzguenme irracional, intolerante, tonto, ignorante o como quieran, pero para mí Soda Stereo ha sido la mejor banda de Rock en la historia. Qué Beatles, qué Radiohead, qué Led Zeppellin, qué Rolling Stones, qué The Who, qué Pixies, qué mamadas (aunque quiero que quede claro que también me gustan y respeto a algunas de las bandas mencionadas), ¡Soda Stereo es la verdad! Seguramente este amor irracional por la banda obedece a que el primer disco que puse, por propia iniciativa, en el estéreo y en una grabadora fue el compilado "La historia de Soda Stereo", el cual era de mi hermano, y a mis inocentes 6 años yo ya cantaba "Nada, oh oh oh, nada personal, oh oh oh". O que a los 9 años le cooperé la mitad de dinero a mi hermano para que compráramos el VHS (sí, aun existían los VHS) del Último Concierto y el cual yo veía y veía y veía cada que podía. ¿Por qué decidí subir este disco de Soda? No lo sé, tal vez sea mi favorito, pero todos los discos de Soda Stereo son mis favoritos, seguramente mi favorito entre los favoritos; quién sabe. Dynamo es indescriptible, es sublime, es todo.


Esta fue la mejor y la única forma que tenía para festejar el aniversario de mi blog.

domingo, 19 de junio de 2011

Star Wars + Pink Floyd

viernes, 10 de junio de 2011

Esquivel - Space-Age Bachelor Pad Music (1994)

Ya descubrí que lo mío es la música latina, expresión muy ambigua que casi termina diciendo que me gusta Chayanne, Ricky Martin, Daddy Yankee, Aventura, Pitbull y que no me pierdo los premios de música que salen en Telerrisa, pero ¡nooooooooo, no es esooo! Si veo los videos de Pitbul, ejem... es nomás porque me gusta ver a las nenazas que salen y ya, ejem... Pero bueno, si ya con Santana me salió lo "latino", hoy me pondré más "latino" y dejaré algo que realmente no es tan "latino" pero que a mí causa mucha felicidad: hablo de la Exotica, del Lounge 50's o Ultra-lounge como le llaman algunos, del Space Age Pop.

Juan García Esquivel (Tampico, 1918 — Jiutepec, Morelos, 2002), conocido simplemente como Esquivel, fue un compositor, arreglista y pianista mexicano recordado por ser uno de los grandes de la música Lounge en los 50's y 60's. Si alguno de ustedes es lo suficientemente viejo para recordar el tema del programa Odisea Burbujas, debe saber que fue Esquivel quien creo tal tema. Compuso música para radio y televisión, pero también tuvo su propia orquesta con la que editó un buen número de álbumes. Su calidad de ingeniero le permitió experimentar con la música electrónica. En Estados Unidos trabajó para los estudios Universal grabando "arreglos sonorámicos", los cuales fueron usados en múltiples películas. Se dice además que Windows pensó en usar sonidos de la música de Esquivel para su sistema operativo del año 95. Así de internacional era este mexicano espacial.

¿Por qué espacial? Porque Esquivel fue uno de los representantes del llamado Space Age Pop (también llamado Bachelor Pad Music), que viene a ser algo así como música de Big Band con ritmos exóticos tipo Samba o Calipso y sonidos de tipo espacial inspirados en aquel furor y entusiasmo que había surgido por los viajes interplanetarios durante los 50's y 60's. Música Lounge que, según el término, debería ser simple, suave y relajante, para escuchar en el vestíbulo de algún lugar con una buena bebida. Yo no le niego la calidad de relajante y suave, pero de sencilla la música de Esquivel no tiene nada, pues está llena de magníficos arreglos por acá y por allá, de melodías y ritmos alegres y exóticos; algo que dista del concepto actual de música "Lounge". Olvidada esta música por la segunda mitad de los 60's, es quizá este compilado el responsable de que la gente en los 90's haya vuelto a mirar y escuchar esta música, tan peculiar y tan extravagante. Un disco ampliamente recomendado.

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domingo, 5 de junio de 2011

Santana - Abraxas (1970)

Al parecer le cambiaré el nombre al blog y terminará llamándose "Un disco al mes". Pero pues qué, la vida es cruel, uno no puede postear los discos que quiere, no puede tener los juguetes que quiere, no puede hacer lo que quiere, no puede nada. Además ocurre algo extraño con los discos que la gente baja de mi blog: algunos los bajan cientos y otros los bajan como tres personas, lo que me ha puesto a pensar en la calidad del material que subo. En fin... el de hoy es uno de esos que sé que tendrán cientos de descargas.

Santana es una banda de Rock de esas legendarias. Formados en 1967, el publicó comenzó a fijarse en ellos después de su participación en Woodstock en 1969. La alineación de la banda ha sufrido incesantes cambios hasta hoy en día, pero siempre estando presente su icónico y virtuoso guitarrista Carlos Santana. La banda ha ganado ocho premios Grammy y tres Grammy Latinos (yo sé, estos premios no importan, pero se oyen bien pal' curriculum). Y más blablablabla.... que no necesitan grupos tan influyentes.

Abraxas, sacado a la luz pública en 1970, fue el segundo álbum de la banda y todo un suceso; la crítica y el público coinciden en calificarlo como uno de los mejores discos de la agrupación y una obra cumbre de la música de los años 70's. La alineación de aquellos tiempos estaba formada por Gregg Rolie (teclado y voces), José Chepito Áreas (conga y timbales), Mike Carabello (conga), David Brown (bajo), Mike Shrieve (batería) y, claro, Carlos Santana (guitarra y voces). ¿Por qué es tan especial el álbum? Por la perfecta, fina y madura mezcla que logra con el Rock, el Blues y la música latina: solos mágicos de guitarra eléctrica, órganos de tintes psicodélicos, baterías duras, encima de güiros, congas y timbales, que se encargaban de poner los ritmos afroantillanos. Un álbum que bien puede clasificarse como Latin-rock, como Rock clásico o Latin Jazz, da igual. Además nos presenta tremendas versiones de los clásicos "Oye como va" del gran Tito Puente, que en realidad fue popularizado por esta versión de Santana, así como de "Black Magic Woman" de Fleetwood Mac. El álbum vendió más de un millón de copias en aquellos tiempos en los que la gente consumía música de verdad. Un disco que nunca podría pasar de moda.

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domingo, 1 de mayo de 2011

Mutyumu - Il y a (2008)

Ya sé que había dicho que iba a subir otros tipos de música a mi blog y, como vieron, ya he comenzado. Pero también quiero deshacerme de esos links que había subido al mediafire y que no había posteado en el blog. Además creo que este disco es algo que debería estar en la biblioteca de cualquier amante del Post-rock y cuando lo escuchen no podrán refutarme.

Mutyumu (夢中夢) es una banda japonesa de Post-rock/Experimental que nace aproximadamente en el año 2001 o por lo menos ese es el año en el que comienzan a subir sus maquetas a internet. No se sabe mucho de ellos, tal vez porque aún no gozan de un prestigio internacional y toda la información esté en japonés. La banda ha editado dos Ep's y dos álbumes, uno homónimo en 2006 y éste, Il y a, en 2008.

¿A qué suena Mutyumu? Esta es la parte interesante. La banda utiliza elementos de géneros tan dispares como el Post-rock, el Post-metal, el Heavy Metal, el Avant-garde, la música instrumental, arreglos orquestales y la voz de estilo "operístico wanabe" (como leí en algún blog) de la vocalista. Al final nos queda, a mi gusto, uno de los más logrados álbumes de Post-rock en la historia del género. Mutyumu utiliza ese estilo épico, in crescendo y atmosférico, que tantas bandas han terminado por volver aburrido, sabiendo darle un manejo totalmente nuevo y único, con efectos no poco satisfactorios. Un uso preciso de las melodías de violín y piano en perfecta armonía con tranquilas y abruptas baterías y riffs. Uno de esos discos que te llevan a un verdadero clímax, un álbum realmente hermoso.

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viernes, 29 de abril de 2011

Oscar Chávez - 20 Exitos (2000)

Quiero publicar pero tengo flojera de escribir algo largo, así que nomás les boto el disco. Además, según yo, Oscar Chávez es uno de esos artistas que no necesitan presentación y de los que quiero ver en vivo antes de morir. Así que nomás me robo algo de la wiki para los despistados que no lo conocen.

"Óscar Chávez (n. Ciudad de Mexico, 20 de marzo de 1935) es un cantante, actor y compositor mexicano. Se caracteriza por interpretar y componer diversos géneros de música popular mexicana y latinoamericana. Es conocido en México por sus canciones de protesta dirigidas principalmente contra el gobierno y la derecha, entre las que destaca "La Casita". Ha apoyado musicalmente el movimiento del Ejército Zapatista de Liberación Nacional. Se acompaña habitualmente en sus presentaciones del Trío Los Morales."

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sábado, 16 de abril de 2011

Neil Young - Everybody Knows This is Nowhere (1969)

A lo que nos truje, Chencha.

Neil Percival Young es un importante músico y compositor canadiense. Nacido en 1945 en la ciudad de Toronto, su carrera ha sido larga y prolífica, pues su primer álbum salió a la luz en 1968 y de ahí las producciones no han parado. Ha experimentado con distintos estilos musicales, desde el Jazz hasta la música electrónica, pero sin duda los que más lo distinguen son el Hard-rock y el Folk-rock. Algunas bandas Grunge han reconocido la influencia que Neil tuvo en ellas y lo han llamado "El padrino del Grunge". Es reconocido por su manera de alternar el uso de la guitarra acústica con las distorsiones de su Gibson Les Paul, apodada "Old Black" por él mismo, así como por el lirismo impregnado en sus composiciones. Neil ha incursionado en el mundo del cine dirigiendo algunos largometrajes y también promueve las causas ambientales y de los pequeños granjeros.

El disco de hoy es el segundo en la carrera en solitario del artista, pues ya antes había formado parte de la banda de Folk-rock Buffalo Springfield. Y después de todo no es tan solitario el álbum, pues claramente en la portada aparece el nombre de Crazy Horse como banda de soporte, la cual ha trabajo con Neil Young en numerosos ocasiones y que está conformada por Danny Whitten en la guitarra, Ralph Molina en la batería y Billy Talbot en el bajo. El álbum contiene algunas de las canciones más populares de Neil, tales como "Cinnamon Girl", "Down by the River" y "Cowgirl in the Sand". El estilo del disco es el de un Folk-rock con cierta influencia Country y Hard-rock mezclado con solos distorsionados que le tiran al Blues. Se cuenta que Neil compuso algunas canciones del disco mientras estaba con 39.5 °C de fiebre. Un disco muy bien logrado y un clásico no sólo de Neil Young, sino del Rock en general. Por cierto, aun hay una controversia respecto a este álbum, pues no se sabe exactamente si el perro de la portada se llamaba Art o Winnipeg y mucha gente sigue debatiendo al respecto.

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viernes, 8 de abril de 2011

The Dreamers - Book Of Angels: Ipos Vol. 14 (2010)

Un disco a la semana no es mala idea, ¿o sí? Además no pueden negar que me lucí con mi descarga de Cumbia psicodélica peruana y que todos lo pusieron en su casa mientras hacían el quehacer y bailaban con la escoba coreando los temas; y ups... no es que yo suela hacer eso cuando me pongo el delantal, le subo a las cumbias y limpio la casa, qué va, yo no lo hago, sólo se me ocurrió decirlo.

The Dreamers es una banda liderada por el famoso compositor y saxofonista John Zorn, pues aunque no toque en este álbum, fue él quien compuso y arregló todos los temas. Los demás integrantes del grupo son casi los mismos que estuvieron en el proyecto anterior de Zorn llamado Electric Masada: Cyro Baptista en las percusiones, Joey Baron en la batería, Trevor Dunn en el bajo, Marc Ribot en la guitarra, Jamie Saft en el teclado y Kenny Wollesen en el vibráfono.

Sobre el álbum puedo decir que yo llegué a él gracias a un compa de la facultad que publicó un tema en feisbuc y al escucharlo yo no dude en descargarlo. Como su nombre lo indica, es el volumen 14 de la serie "Masada Book Two/Book of Angels", que contiene temas escritos por John Zorn y que han interpretado distintos artistas. Ipos Volume 14 es un álbum que combina elementos de la Exotica, el Latin Jazz, la Film music, el Rock, la World music y el Surf. En algún lugar se describe el paisaje sonoro de este álbum de una forma simple: la reinterpretación de melodías folclóricas judías a través de un lente musical de Surf rock y Exotica similar a la de Martin Denny. Y yo sé que mi reseña no motiva mucho ni exalta el álbum como suelo hacer con las cosas que subo, pero eso es porque el sueño me ha puesto ya como zombie y nomás no me salen las loas. Como sea, estoy seguro de que este álbum no decepcionará a nadie.

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sábado, 2 de abril de 2011

V/A - The Roots of Chicha: Psychedelic Cumbias from Peru (2007)

Muchas chicas se preocupan por arreglarse y por la ropa que se ponen cuando salen con algún chico. Por su parte y paradójicamente, muchos chicos se preocupan por la forma de quitarles esa ropa. Me incluyo.

Como todos mis fans se dieron cuenta, ya estoy de vuelta en el blog. Dos meses de ausencia es algo que se dice fácil, y realmente es fácil, hasta uno se olvida de que tenía un blog y vive la vida loca, como Ricky Martin. Lo interesante del asunto es que en estos dos meses he estado aprendiendo y escuchando mucha música nueva y distinta, lo cual se verá reflejado en los materiales que subiré a partir de hoy. Espero no herir susceptibilidades, ni reventar tímpanos, y si acaso sucede pues se aguantan, putos.

¿Ya vieron lo que les traje en mi regreso? El título del post lo dice todo. La Chicha, aparte de ser una bebida embriagante del Perú de origen inca, es un género musical que nació a finales de los 60's por las zonas amazónicas del Perú durante el auge de las ciudades petroleras. Y no es poca cosa sino una mezcla de Cumbia colombiana, percusiones cubanas, guitarras eléctricas estilo surf con pedales wah wah, sintetizadores moog, letras simplísimas y lúdicas y el espíritu fiestero y selvático de estos músicos peruanos. Esta mezcla había de dar como resultado una música bailable y psicodélica, influenciada, según dicen algunos, por el auge de los alucinógenos. Al parecer se le llamó Chicha porque, al igual que la bebida, era característica de las clases bajas y populares, motivo por el cual nunca tuvo gran aceptación entre las clases medias y altas; y todavía no faltará uno que otro que se ofenda al escuchar "Para Elisa" (sí, la pieza de Beethoven) adaptada a la cumbia peruana por Los Destellos, lista para ser bailada en cualquier fiesta. Nosotros ahora tenemos aquí esta compilación gracias a Barbes Records, discográfica estadunidense que busca revivir aquellos sonidos populares que hicieron bailar al pueblo peruano durante los 70's. ¿Que si a mí me gusta? Claro que me gusta y disfruto bastante la psicodelia selvática de estas cumbias; incluso considero muchas de estas canciones más dignas que la basura que suelen escuchar ahora los microbuseros de México. Y si alguno pone atención a las cosas que venden en el metro de la ciudad de México, reconocerá que en uno de esos supercompilados de Cumbiamix Volumen 67 viene un temazo de aquí: La danza de los mirlos. ¿Las bandas más destacables del compilado? Los Mirlos, Juaneco y su Combo y Los Destellos. Un disco de colección.

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domingo, 6 de febrero de 2011

The Thirty-nine Steps - A Fake Smile Is The Devil's Playground EP (2007)

La escuela y mis crisis depresivo-adolescentes me han impedido subir material nuevo al blog; además me desanima un poco eso de tomarme la molestia de escribir una reseña decente para que luego los pendejos de las discográficas vengan a blogspot a reclamar y me borren lo que publico o el archivo de mediafire. Whatever... hoy dejo algo a petición de un compa desconocido del youtube, pero que conoció los inicios del Screamo en México.

The Thirty-nine Steps fue una banda Screamo procedente de la Ciudad de México (según sé). De ellos no se sabe mucho. Fueron pioneros de este género en el país junto con Non Plus Ultra, Arse Moreira y Zarathustra has been Killed in the 70's. Algunos de sus integrantes han estado posteriormente en bandas como Duran-go (ahora Nazareno el Violento), Charles Barkley y Theraps. Seguro los únicos que saben más de su vida son aquellos que pudieron ir por esos tiempos (2004-2007) a sus shows. Yo tuve la fortuna de asistir a uno de sus shows en el foro Alicia, el cual creo que fue el último, cuando yo aun era un pequeñuelo aprendiendo de esta música.

Este EP, grabado en 2004, fue lo único que publicaron de su material, aunque no fue lanzado sino hasta 2007, año de su desintegración. Su sonido es el de un Screamo arrítmico, abrasivo, caótico y rápido, mezclado con algunos breakdowns y guitarrillas tiradas al Metalcore y un poco de Noise. Una de las primeras muestras de que en México se podía hacer Screamo al mismo nivel que en Estados Unidos o Europa. Imágenes de la banda no hay y la que dejo es la que venía con el EP.

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domingo, 23 de enero de 2011

Hope of the States - Left (2006)

Bien bien, hoy todo será breve.

Hope of the States fue una banda británica de Post-rock/Indie-rock que estuvo activa de 2000 a 2006. Originarios de Chichester, los muchachos lanzaron dos discos, The Lost Riots (2004) y Left (2006), además de varios demos y singles. Después de su desintegración algunos de sus miembros formaron la banda The Northwestern. Según se dice, la separación de la banda se debió a que los chicos no pudieron soportar el suicidio de su guitarrista James Lawrence, quien lo llevó a cabo en el mismo estudio de grabación.

El sonido de los chicos es sencillo: una mezcla de ritmos muy Indie con guitarras, pianos y violines "épicos" a la Post-rock, además de algunos arreglos en la composición con tintes de Progresivo moderno. Un disco relajado y simple como para pasar una buena tarde. "What you want, you're never going to get/Unless you are prepared to be alone/If you think you've got to have it all/You've got to be prepared to give it all."

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jueves, 20 de enero de 2011

Dredg - The Pariah, the Parrot, the Delusion (2009)

Chale, ya llevo una semana sin publicar nada. Tengo mis lapsus y me olvido de subir cosas. Ya mejor me dedicaré a la mafia porque ese sí es un negocio rentable, además de que está de moda y eso le gusta las morras, ¿no vieron a la nena que se cargaba el JJ?

Dredg es una banda norteamericana de Alternative Rock/Progressive rock nacida en 1996 en Los Gatos, California. La banda, formada por Gavin Hayes (voz y guitarra), Drew Roulette (bajo y sintetizador), Mark Engles (guitarra) y Dino Campanella (batería, piano y órgano), ha lanzado cuatro álbumes de estudio, cinco EP's, algunos demos, un álbum en vivo, dos DVD's, además de aparecer en el OST de algunos filmes independientes. Los chicos planean lanzar un nuevo disco este año.

Este álbum, el cuarto de la banda, ha recibido múltiples críticas a causa de el cambio en el sonido que la banda había venido haciendo desde su disco anterior. Se podría decir que este álbum termina siendo más accesible que los anteriores. Pero aun así se aprecia un sonido que va más allá de la etiqueta del Rock alternativo y en donde se pueden encontrar elementos experimentales y progresivos. Baterías fuertes y fluidas acompañadas de guitarras melódicas y semiatmosféricas que intentan crear una ambiente armónico y mágico, misterioso y suave, el cual se complementa con el teclado que, aunque a veces es bastante difuso, es un ingrediente fundamental. El trabajo vocal también está muy bien logrado y resulta bastante inquietante y emotivo. Dredg es una banda con un sonido poderoso, oscilante y original.

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LINK RESUBIDO

miércoles, 12 de enero de 2011

Alexisonfire - Crisis (2006)

La gente que tiene onda, como yo, no se baña seguido. Ahh... y los días en que veo una película que me gusta mucho me siento feliz, feliz.

Ya en una ocasión hablé de Alexisonfire, una de las mejores bandas actuales de Post-hardcore. Hoy les dejo el tercer álbum de estos canadienses y también mi favorito: Crisis. La primera canción que escuché de la banda era de este álbum, así que lo conseguí y nunca ha dejado de sorprenderme. Alexisonfire siempre ha tenido un sonido muy peculiar: acordes dinámicos acompañados de melodías como fondo, que crean un Post-hardcore algo experimental con elementos de Alt-rock (principalmente las voces) y, sobre todo en este disco, con algunos ritmos que se inclinan hacia el Hard rock. Aun recuerdo que cuando iba a San Agus a patinar me gustaba ir escuchando este disco en el camino y a toda velocidad.

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Stairway to haven or Highway to hell

A propósito del disco de ayer, dejo una imagen simpática que encontré por la red.

lunes, 10 de enero de 2011

AC/DC - Highway to Hell (1979)

Una de las cosas más bonitas en la vida: soñar con una secuencia de fotografías realmente bien hechas y bastante hermosas para luego despertar y darte cuenta de que esas fotografías tal vez no existan, o tal vez sí existen, las viste en algún momento de tu vida y la imagen quedó grabada en tu mente y sólo sale en los sueños. Yo prefiero creer que tengo dotes fotográfico-oníricos y que dentro de mis sueños soy un creador, aunque el simple hecho de soñar ya nos vuelve a todos creadores. Sea lo que sea, existan o no, inventadas o alguna vez vistas, las fotografías dentro de los sueños son una experiencia inigualable.

AC/DC es otra de esas bandas que no necesitan presentación. Yo los conocí en mis felices tiempos de skater gracias a la sección de Peter Ramondetta en el video de Circa, It's time. El vato usó una canción de éste álbum como música de fondo en su sección. Así descubrí este álbum que ahora es mi favorito de la banda. Muchos dirán que Black in Black es lo mejor que sacó AC/DC, yo respeto esa opinión y valoro mucho el álbum, pero para mí éste es mejor. Además fue el último con Bon Scott como vocalista, quien murió por intoxicación etílica y haberse ahogado en su propio vómito, según versión de algunos.

Es el sexto álbum de la banda y contiene éxitos como Highway to hell, Girls got rhythm, Touch too much o Night prowler. Mi favorita es Walk all over you y aunque ésta no sea tan popular como las anteriores, produce en mi un efecto vigorizante. Yo voy caminando por la calle escuchándola en los auriculares y me siento todopoderoso e invencible (ojalá nunca llegue alguien a darme un puñetazo porque sospecho que me noqueará). Ya saben, esto es Hard rock en su máxima expresión.

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domingo, 9 de enero de 2011

Illya Kuryaki and the Valderramas - Jugo

Cuando era morro veía este videoclip en el programa de música que transmitían en canal 11. Ahora la recuerdo y digo: ¡qué rolón!

viernes, 7 de enero de 2011

Motörhead - Ace of Spades (1980)

Para los que el día de reyes se preguntaron para qué quería yo condones si iba a ver mis películas porno, la respuesta es bastante sencilla: Pretendía tener sexo SEGURO con mi muñeca inflable mientras me motivaba con las explícitas imágenes de mi paquete dvd de pornografía de calidad. Ahh... y no me trajeron mi bicicleta, ¡cha!

Motörhead es una banda que, según yo y lo que sé de la gente, no necesita presentación. ¿Qué sería del Rock, del Metal, del Punk, si estos señores nunca hubieran existido? Por fortuna es una pregunta sin respuesta porque claro que han existido y siguen tan vigentes en los escenarios a pesar de que ya están medio betabeles (entiéndase rucos, viejos, vetustos). Dejo el disco más popular, y para muchos el mejor, de la banda: Ace of Spades. Contiene temazos como Ace of spades, Love me like a repitile, (We are) The Road crew, The Chase Is Better Than The Catch, que te hacen mover la cabeza, los pies, las manos, poner cara de malo y sentir ganas de golpear cabros por las calles. Además los últimos temas son unos covers de Rockn'roll al más puro estilo de Motörhead.

Heavy Metal, Speed Metal, Rock and roll, Punk Rock, Hard Rock; es difícil definir el estilo de Motörhead. Pero nunca dejan de sorprender con sus locos e intensos ritmos y riffs acompañados la voz distintiva y áspera voz de Lemmy Kilmister. Bájalo y cállate (así, en imperativo).

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miércoles, 5 de enero de 2011

Suicidal Tendencies - How Will I Laugh Tomorrow When I Can't Even Smile Today (1988)

Tss... noche de Reyes Magos. Qué trágico que ya no me traen nada como en mi infancia, pero sin aún lo hicieran la verdad es que no dudaría en pedirles una muñeca inflable, algunas cajas de condones y un paquete de películas porno; ah... y una bicicleta jaja.

Suicidal Tendencies es una importante banda Hardcore Punk/Crossover Thrash fundada en 1981 en Venice, Los Angeles. A menudo son referidos como pioneros del Skate punk y del Crossover Thrash. Su estilo musical ha sufrido una constante evolución, iniciando con un sonido Hardcore clásico, para posteriormente introducir elementos Thrash Metal a su música y obtener un sonido distintivo. Han lanzado 11 álbumes de estudio, además de algunas compilaciones y splits. Es notable que su videoclip Institucionalized, de su primer álbum, fue de los primeros videos de Hardcore Punk en ser transmitidos por la cadena MTV. La banda tuvo una corta ruptura de dos años (1995 a 1997) pero ha podido seguir con su actividad, siendo ya una de las bandas más longevas en la escena Hardcore.

Este es el tercer álbum de la banda y mi favorito. Es el primero en donde la banda comienza abandonar un poco el estilo Punk para introducir más elementos Thrash, cosa bastante clara en los riffs de guitarra, así como en los ritmos y la duración de las canciones. Mi opinión no intenta desacreditar los primeros trabajos de Suicidal Tendencies, pero en este álbum podemos escuchar temas más complejos y mejor trabajados. Éstos nos ofrecen una perfecta mezcla entre las típicas (y bastante adictivas para mí) baterías Punk con riffs y solos metálicos. Las voces son ligeras y nada gritadas. Todo con una producción que suena claramente a los nostálgicos 80's. De lo mejor dentro del Crossover Thrash.

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martes, 4 de enero de 2011

Orchid - Chaos is Me (2000)

Ahora sí no sé qué poner ni tengo ganas, sólo subo un disco para no acostumbrarme a no postear nada, asunto peligroso. Ah... y espero que a los Reyes Magos les llegue mi cartita enviada con globo.

Orchid fue una de las bandas Screamo/Hardcore más importantes que han existido. Procedentes de Massachusetts, Estados Unidos, estuvieron activos de 1998 a 2002. Son considerados pioneros del género. Su sonido duro y abrasivo está influenciado por los canadienses Union of Uranus y One Eyed God Prophecy, así como por los alemanes Systral y Carol. Sus letras tienen referencias a la Escuela de Frankfurt, Anna Karina, Friedrich Nietzsche, Jacques Attali. Su material musical consta de unos cuantos álbumes y EP's, así como splits con bandas como Jeromes Dream, Pig Destroyer, The Red Scare, entre otras. Algunos de sus miembros ahora forman parte de bandas como Ampere, Panthers y Transistor Transistor.

Sólo me queda decir que esto es Hardcore en su máxima expresión: seco, duro, abrasivo, chillante, intenso, breve, agresivo y deprimente. Orchid es una de las bandas más pesadas que jamás podrás escuchar. Así que ahora sólo baja el disco, escúchalo y vuélate la cabeza. "You say you miss those days. But we did it right. Quit the habit started smoking again. I was crying you where laughing. Hit in the face, blood on the snow we where never happier..."

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sábado, 1 de enero de 2011

Last Days of April - Angel Youth (2001)

Ya es otro año y blablablabla.... Es igual, es igual, sólo es un número y una ilusión, el tiempo es uno solo, el tiempo es indivisible. Pero como a muchos les importa el mes de enero, yo subiré un disco de abril.

Last Days of April es una banda Post-emo/Indie rock procedente de Estocolmo, Suecia. Nacida en 1996, la banda ha editado 6 álbumes hasta la fecha, suavizando su sonido cada vez más desde la publicación de su primer álbum. También ha hecho giras en Europa al lado de importantes bandas del género como The Promise Ring y The Bufferins.

Este es su tercer álbum, el cual fue editado en EEUUAA por el famoso sello Deep Elm Records. Es muy sencillo, muy bonito y tranquilo. Voces limpias, suaves y lindas que no caen en el sonido "puberto y llorón" al que se suele asociar la música "Emo". Yo pensaba que sólo los gringos eran buenos haciendo esto, pero estos suecos sin duda sorprenden. Según wikipedia los chicos tocan Indie-pop, yo más bien diría que es Post-hardcore bastante suave mezclado con Indie-rock y Midwest Emo. Su música recuerda a bandas clásicas como Saves the Day o Jimmy Eat World (claro, en sus primeros trabajos).

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