Gustavo Cerati - Bocanada (1999)

Las estupideces nunca faltan entre muchos músicos que, contrario a lo que uno creería (o quisiera creer), tienen un conocimiento un tanto desinformado de la situación política de su país. Si ya Carlos Santana hace dos semanas andaba pronunciándose a favor de Vázquez Mota (y también de la otra Mota, la verde), ahora le tocó a Rubén Albarrán de Café Tacvba decir que "no hay que participar" en el próximo proceso electoral, sin detenerse a pensar en las nefastas consecuencias que nos trae el abstencionismo, ni en lo irresponsable que es que alguien como él, con millones de chavos siguiéndolo de cerca a él y a su música, promueva este tipo de acciones que no logra sino aumentar la apatía política entre los jóvenes mexicanos, la cual si bien puede ser justificada también debe ser bien encauzada. En fin... mi blog es de música, ¡chingao!

Gustavo Adrián Cerati Clark (Buenos Aires, Argentina, 1959), nomás Gustavo Cerati para todos nosotros, es un músico que ni siquiera necesita presentación. Ya todos sabemos que Soda Stereo sin Gustavo no hubiera sido -ni siquiera existido- la mejor banda de Rock de Latinoamérica (y del mundo a mi decadente juicio). Por fortuna el genio de Cerati no se limitó a su colaboración con Charly Alberti y Zeta Bosio y después de la separación de Soda pudo continuar una aclamada carrera como solista que desgraciadamente hoy está truncada debido al terrible accidente cerebrovascular que lo ha mantenido en coma desde el 15 de mayo de 2010.

Bocanada es el segundo álbum en solitario de Gustavo Cerati, pero el primero desde la desintegración de Soda Stereo; un álbum que conocí desde la época en que fue publicado siendo yo un párvulo estudiante de primaria. Siempre he creído que la nostalgia de la infancia me impide ser objetivo con los discos que alegraron mi vida durante aquellas épocas, por lo tanto ya saben lo que diré sobre Bocanada: es una completa obra de arte. Con un sonido menos rockero al que el Gustavo de Soda nos tenía acostumbrados, Cerati introduce elementos Pop, electrónicos e incluso sinfónicos manejados todos con gran maestría y creando una atmósfera de gran misterio y belleza. El tema que da el nombre al disco llega incluso a adentrarse hasta los terrenos del Trip Hop en un viaje sensorial acompañado de las profundas y poéticas letras de Gustavo. No hace falta decirlo, Cerati volverá tarde o temprano porque sabe que todos lo estamos esperando.

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Chico O'Farrill - Heart of a Legend (1999)

Carlitos Santana sigue haciendo a la perfección lo que siempre ha sabido hacer: tocar la guitarra y rodearse de excelentes músicos que lo acompañen. En cuanto a política mejor debería quedarse callado, sobre todo si no está lo suficientemente enterado de ciertos temas como para dar su opinión. Pero bueno, con casi tres horas dedicas a su público uno termina por perdonarle las sandeces que dice.  

Arturo "Chico" O'Farrill (La Habana, 28 de octubre de 1921 - Nueva York, 27 de junio de 2001) fue uno de lo más importantes compositores, directores de orquesta y arreglistas cubanos del siglo XX. Aunque inició su incursión en la música como trompetista, fue hasta su traslado a Nueva York a finales de los 40, en donde se relacionó y trabajó con importantes figuras del Jazz como Benny Goodman, Stan Kenton o Dizzy Gillespie, que decidió dedicarse de lleno a la composición y a los arreglos. Siguiendo las tendencias de fusión entre la música afrocubana y el Jazz de las Big Bands, creó su propia orquesta y tocó un tiempo en el Birdland, uno de los más famoso Jazzclubs de Nueva York. En las décadas posteriores trabajó con una infinidad de artistas, desde Count Bassie hasta David Bowie, pasando por La Lupe, Cal Tjader, Gato Barbieri o Ringo Starr. En los años 70's el furor de las Big Band había terminado, así que Chico O'Farrill prácticamente se retira del Jazz y se dedica a componer música para comerciales televisivos, muchos de los cuales, según el compositor y educador Bobby Sanabria, contrario a lo que podría pensarse, tienen una gran calidad artística. Chico O'Farrill habría de volver al panorama jazzístico en 1995 con la publicación de su aclamado disco Pure Emotion y posteriormente volvió a hacer del Birdland la residencia de su Big Band hasta su muerte en 2001, dejando la dirección de la banda a su hijo, el pianista Arturo O'Farrill. Chico apareció también en el documental de Jazz Latino Calle 54, dirigido por el director español Fernando Trueba.

Considerado como "el arquitecto del Jazz Afrocubano", Chico O'Farrill nunca tuvo una proyección tan grande como la tuvieron Tito Puente, Mario Bauzá, Dizzy Gillespie o Machito & his Afro-Cubans, seguramente debido a su falta de interés por el protagonismo, siempre escondido detrás de los músicos para quienes trabajó. Heart of a Legend, como su anterior Pure Emotion, nos ofrece una visión amplia y bastante rica de lo que ha sido la carrera del maestro O'Farrill. El trabajo va más allá de la nostalgia que podría implicar un recorrido por más de 50 años de música y logra mostrar un sonido lleno de frescura y brillo. Grabado en 1999 y ofreciendo nuevas interpretaciones de composiciones clásicas del maestro, el disco cuenta con la participación de varios de los más importantes y mejores músicos del Latin Jazz y la música afrocubana, entre quienes se encuentran Gary Valente (trombón), Alfredo "Chocolate" Armenteros (trompeta), Paquito D'Rivera (saxo alto y clarinete), Gato Barbieri (saxo tenor), Mario Rivera (saxo soprano y clarinete), Papo Vázquez (trombón), Arturo Sandoval (trompeta), Andy González (bajo), Israel "Cachao" López (bajo), Cándido Camero (congas), Orlando "Puntillita" Ríos (congas, quinto, campana), Carlos Patato Valdés (congas, maracas), Horacio "El Negro" Hernández (batería) y Freddy Cole (voz), entre otros. Heart of a Legend, con su soberbia compenetración entre percusiones y vientos, con sus solos ajustados y precisos, con su sonido unitario y variado al mismo tiempo, con su gran colorido y sutileza, con su sensualidad y su viveza, muestra el gran genio de Chico O'Farrill, uno de los mejores compositores cubanos del siglo XX que aún no recibe el reconocimiento que se merece.

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Santana - Santana III (1971) (Legacy Edition)

Santana, con su ya larguísima carrera, ha estado muchas veces en México, pero no desde que yo lo conocí y me volví un fan declarado de su música, así que entre la emoción y la felicidad de verlo hoy en vivo, decidí subir algo de su música.

Hace tiempo había ya posteado su álbum Abraxas, lanzado en 1970 y que los proyectó y definió (con temas como Black Magic Woman, Oye como Va o Samba pa' ti) después del éxito obtenido con su primer álbum y su exitosa presentación en Woodstock '69. Así que ahora es el turno de Santana III, el siguiente disco del grupo y el último que habría de contar con su alineación original.

Santana III demostró la versatilidad y la habilidad de la banda para seguir rindiendo tributo a sus influencias al mismo tiempo que para seguir evolucionando como músicos y personas y demostrar su creatividad como artistas. La alineación de la banda contó con la adición del apenas diecisieteañero Neal Schon, cuyos solos eran digna competencia para los de Carlos, y del timbalero Coke Escovedo, quien sustituía de forma intermitente al enfermo Chepito Areas. Así, el álbum obtuvo un sonido más crudo, un poco más oscuro y más compacto, con una fuerte base percusiva y con más ferocidad en su conjunto, pero siempre cargado del sabor de la música afrolatina y la pasión y la profundidad de la guitarra de Carlos. Temas como No one to Depend On, Toussaint L'Overture, Guajira y Para los rumberos, cover del maestro Tito Puente, se volvieron parte fundamental de los setlist de la banda. La 2006 Legacy Edition, además de incluir tres frenéticos y deliciosos jams no incluidos en la edición original de 1971, contiene un segundo disco con la fantástica presentación completa de Santana en la última noche del Fillmore West de San Francisco el 4 de Julio de 1971. Uno de los mejores discos que podrás escuchar en tu vida.

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Maylene and the Sons of Disaster - II (2007)

Por fin entendí porqué el examen de admisión para la UNAM lo hacen en universidades particulares: porque, si el alumno no aprueba el examen, ya habrá conocido las instalaciones de otra universidad y así puede que se anime a inscribirse ahí; hasta folletitos te dan. En otros asuntos, en este blog ya se extraña algo que haga agitar la cabeza como desquiciado de la forma en que a todos secremente les gusta hacerlo. Que no se extrañe más.  

Maylene and the Sons of Disaster es una banda de Southern Metalcore procedente de Birmingham, Alabama. Formada en 2004 bajo la égida de Dallas Taylor, ex líder y vocalista de la banda de Metalcore/Post-hardcore Underoath (a quienes ya he posteado por acá), la banda lanza dos inovadores y bien recibidos discos entre 2005 y 2007. En 2008 prácticamente todos los integrantes de la banda la abandonan y dejan solo Dallas Taylor, quien se encargará de reunir una nueva alineación con la cual ha grabado los dos más recientes discos del grupo.  

II es, casi obviamente, el segundo disco de Maylene. Pareciera que un día un grupo de granjeros sureños tomaron sus guitarras eléctricas y decidieron sonar menos a Lynyrd Skynyrd y más a Pantera con una que otra voz limpia. Así que la cosa es sencilla pero arriesgada, genial y única: rock sureño, metalcore, hard rock, rockn'roll en un sólo molde. Una de las bandas más inovadoras de la actual y monótona (sí, ya lo he dicho mil veces) escena actual del Metalcore. A agitar la choya.

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