Adiós

"This account has been locked. See our page about account suspensions for more information." Cerraron mi cuenta de Mediafire, lo que implica que mi blog y sus discos semanales se han ido a la mierda total. Gracias, legislaciones americanas, por restringir el libre intercambio de información, como si lucráramos con ella, como si nuestro objetivo fuera el mismo que el de esas disqueras a las que les importa un carajo el público y el arte y sólo van detrás de los dólares, para las que la música es sólo pretexto y no el fin último. Estoy desilusionado y no pienso volver a abrir un blog, por lo menos no de música, ni intentar recuperar esos archivos ni hacer nada. Mi blog y el placer por compartir música de forma honesta, después de dos años, han llegado a su fin en forma definitiva.

Esthero - Breath from Another (1998)

No sé si ustedes, queridos lectores, sabían que mayo es el Mes mundial de la masturbación, lo cual explica perfectamente mis ausencias en este blog y mis visitas frecuentes a páginas triple equis. Caray...

Esthero, cuyo nombre verdadero es Jenny-Bea Englishman, es una cantante de origen canadiense asociada a la música electrónica, Lounge y Trip-hop; aunque el nombre de Esthero también es usado para referirse al equipo que trabaja con ella y su productor Doc McKinney. A la edad de 16 años Jenny-Bea Englishman comenzó a cantar en distintos clubs nocturnos, en uno de los cuales fue descubierta por Beau Ovcaric y Zack Werner, quienes la llevarían a tener sus primeros contactos con EMI. A la edad de 20 años ya había lanzado su primer álbum, Breath from another. Su segundo álbum, Wikked Lil' Grrrls, saldría a la luz siete años después, en 2005, y este 2012, de nuevo con una distancia de siete años desde su último trabajo, lanzará un tercero, titulado Everything Is Expensive.

Breath from another, lanzado en 1998, constituyó un magnífico debut para la canadiense. La variedad de elementos, que van desde peculiares secciones rockeras hasta otras españolas y latinas, pasando por un Jazz de tono seductor y por sonidos electrónicos, termina siendo amalgamada por el Lounge y el Trip-hop que predominan a lo largo de todo el disco. La voz de Esthero, delicada y tranquila, junto con los bajos suaves y los ritmos programados por Doc McKinney producen una atmósfera hipnótica y aletargante en ciertas ocasiones, pero también viva e inspiradora en otras. En su segundo álbum Esthero habría de explorar los territorios del Pop y el R&B, y si bien esto no resultó en un mal disco, me parece que no igualó la magia presente en este primero.

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Brownout - Aguilas and Cobras (2009)

Con esta época de calores yo sé que más de uno se ha visto tentado a unirse a las muchedumbres de niños aventurados que atestan las fuentes citadinas so riesgo de contraer enfermedades gastrointestinales, que más de uno ha estado en hora pico en el metro sintiendo cómo le sudan hasta las almorranas mientras ve al clásico gordito que sufre porque suda y suda como si una fuerza oculta lo exprimiera, que más de uno -yo incluido- se ha quitado la playera en plena concentración de cuerpos para luego volvérsela a poner a causa de la impetuosidad de las chicas que comienzan a perseguirlo. Pero siempre faltará la música que armonice con estos tiempos de radiación solar y cáncer de piel, de lentes oscuros y shorts, de escotes y ojos salidos y perversos; y, cual si fuera ese DJ incómodo que se ligó a mi ex, esa la pongo yo, que por algo me llamo Musicacio.

Brownout es una banda de Latin Funk proveniente de Austin, Texas. Creada como proyecto alterno de Grupo Fantasma por ocho de sus miembros, lanzaron en 2008 su primer álbum titulado Homenaje. Desde ese momento a la fecha la banda ha grabado ya tres discos de estudios y uno de remixes, además de haberse presentado en diversos escenarios y festivales internacionales, incluido el famoso y ahora hispterizado Coachella.

Herederos de la música Soul de James Brown, del Funk de Sly Stone, de la oleada Jazz-rock/Funk de San Francisco (Malo, Santana, El Chicano) y del boom salsero en Nueva York durante los 70's, Brownout ha sabido aprovechar todas sus influencias y crear a partir de ellas un sonido verdaderamente original e inovador. Aguilas and Cobras es el segundo disco del grupo y, al igual que con su primer álbum, las referencias a la cultura mexicana y a la vida fronteriza están presentes a lo largo de álbum. Con dos guitarras, bajo, batería, teclado, congas y bongós, saxo, trompeta y trombón, estos texanos logran crear un ambiente único en donde la electricidad del urbanismo norteamericano convive con la aridez del desierto mexicano y con la frescura las islas caribeñas, en donde las fronteras musicales y culturales se han desvanecido en nombre del baile y la fiesta, de la música y el placer.

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Roy Hargrove's Crisol - Habana (1997)

Alguien díganlennn a mi vecina que me urge verla, carajo.

Roy Hargrove es un trompetista originario de Waco, Texas, que fue descubierto e impulsado por el controversial también trompetista Wynton Marsalis. La carrera de Hargrove, ya sea como líder o como músico acompañante, se ha desarrollado por distintos estilos, desde el Post-bop, el Hard-bop, el Jazz contemporáneo, el Soul, el Funk, el Latin Jazz y hasta el Hip Hop.

Pero es su faceta en el Jazz Latino la que aquí interesa. Un día, después de un viaje a Cuba a invitación del pianista Chucho Valdés para tocar en el festival anual de Jazz de la Habana, el manager de Hargrove se dio cuenta de que Roy y su quinteto tenían potencial para crear algo grandioso al lado de los músicos cubanos. Así fue como nació Crisol, banda integrada por Chucho Valdés en el piano, Horacio "el Negro" Hernández en la batería, Jose Luis "Changuito" Quintana en los timbales, Miguel "Anga" Diaz en las congas, David Sanchez y Gary Bartz en los saxofones, Frank Lacy en el trombón, John Benitez en el bajo y Russell Malone en la guitarra, con Hargrove mismo como líder. El resultado de fundir a todos estos músicos, cubanos y americanos, en un crisol musical fue una presentacion en el Umbria Jazz Winter en el año de 1996, la cual para nuestra fortuna fue grabada y posteriormente lanzada en CD. Habana se tituló el disco y, a mi juicio, es uno de los mejores disco de Latin Jazz jamás hecho, incluso yendo más allá de lo que uno entiende con este término. Ritmos complejos, atrevidos y muy ricos; improvisaciones expresivas y frescas; un entendimiento perfecto; todo está en su lugar y nada ni nadie falla.

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Fear Before - Selt Titled (2008)

Yo desde ayer por la noche estoy que muero de risa pues, como algunos saben, soy un ser sumamente SIMPLÓN, así con sus siete letrotas, y es que resulta que un reportero de Televisa dijo Peña "Nieta", así como lo oyen, queridos lectores, lo leo, lo escucho y río como tonto. En fin... si son tan simplones como yo, acá encontrarán el video con la gracia de la semana. ¡Peña Nieta!

Fear Before es una banda de Mathcore/Post-hardcore originaria de Aurora, Colorado, cuya vida inició en 2002 bajo el nombre de Fear Before the March of Flames y con el cual editaron sus tres primeros discos. Los dos primeros de estos se distinguen por un sonido más Math y furioso, mientras que desde su tercer disco los muchachos se relajaron un poco, introduciéndose al mundo del Post-hardcore en su parte más experimental.

Fear Before es el cuarto disco del grupo, pero el primero bajo el nuevo nombre, cosa que para nada ha sido gratuita: la banda ha cambiado lo suficiente su sonido como para merecerse un nuevo nombre. Dejando a un lado los gritos típicos de toda forma de Hardcore, nos ofrecen ahora unas voces en momentos desgarradoras, en momentos melódicas y dementes; las guitarras abandonan un poco la distorsión para crear cierto sonido más "ambiental" y a veces Noise. Claro que duros y potentes riffs así como baterías y ritmos intensos siguen estando presentes, pero la atmósfera del álbum da más bien la impresión de cierto "ruido melódico", de cierta pesadilla. Cabe hacer cierta comparación entre el sonido de Fear Before y el de Circa Survive, sobre todo porque ambos grupos comparten ese sonido ambiental de fondo; sin embargo, el sonido de Circa Survive resulta más melódico y melancólico, mientras que Fear Before se decanta por lo agresivo y angustioso. O ustedes juzguen.

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Soda Stereo - Comfort y Música Para Volar: Unplugged (1996)

Ustedes no están para saberlo ni yo para contarlo, pero ahora soy más feliz que la semana pasada y muchas varias anteriores y eso merece celebrarse con un disco de esos que son perfectos. 

Por ahí he escuchado que Soda Stereo fueron los Beatles del Rock Latinoamericano. No quiero entrar en discusiones, no soy seguidor de los Beatles y lo que conozco de ellos no es nada más que lo que uno escucha mientras va viviendo, esos temas parte de la cultura popular; sin embargo, estoy seguro de que intentar hacer cualquier comparación entre las dos bandas es simplemente anacrónico y un sinsentido. Júzguenme y acábenme, The Beatles son prescindibles para mí, Soda Stereo no lo es y nunca lo será.

Comfort y música para volar fue prácticamente el último disco de Soda (omitiendo El último concierto A y B y los Me verás volver de la gira de reencuentro). Todos sabemos que la idea original de un concierto MTV Unplugged es hacer versiones acústicas de las temas. Pues bien, Soda no hizo precisamente esto y mejor se dio el lujo de usar elementos electrónicos y experimentales para su presentación; de ahí que la portada diga unplugged, ¿quién les iba a negar algo a estos argentinos? Del concierto original sólo hay 7 canciones debido a problemas de derechos de autor entre las disqueras Sony y BMG (el concierto completo se incluyó en la reedición de 2007 gracias a la unión de éstas), las 4 restantes fueron aquellas que no pudieron entrar en la versión final de esa otra obra maestra -¡pero si todos los discos de Soda son obras maestras!- del año 1995 llamada Sueño Stereo. Entre los músicos invitados destaca Andrea Echeverri, vocalista del grupo Aterciopelados, quien cantó junto a Gustavo En la ciudad de la furia, en una de sus versiones más hermosas jamás hechas. La sección en vivo, que sí tuvo sus partes acústicas, fue armonizada de manera sublime por los arreglos de viola, violín y fagot a cargo de los hermanos Fainguersch. En los temas de estudio Planeador es el momento cumbre pues, en su suavidad y onirismo, es capaz de hacerte volar a través de una atmósfera frágil, apacible y llena de belleza. En fin... mis elogios nunca serán suficientes para hacerle justicia a la mejor banda que ha pisado este planeta.

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Gustavo Cerati - Bocanada (1999)

Las estupideces nunca faltan entre muchos músicos que, contrario a lo que uno creería (o quisiera creer), tienen un conocimiento un tanto desinformado de la situación política de su país. Si ya Carlos Santana hace dos semanas andaba pronunciándose a favor de Vázquez Mota (y también de la otra Mota, la verde), ahora le tocó a Rubén Albarrán de Café Tacvba decir que "no hay que participar" en el próximo proceso electoral, sin detenerse a pensar en las nefastas consecuencias que nos trae el abstencionismo, ni en lo irresponsable que es que alguien como él, con millones de chavos siguiéndolo de cerca a él y a su música, promueva este tipo de acciones que no logra sino aumentar la apatía política entre los jóvenes mexicanos, la cual si bien puede ser justificada también debe ser bien encauzada. En fin... mi blog es de música, ¡chingao!

Gustavo Adrián Cerati Clark (Buenos Aires, Argentina, 1959), nomás Gustavo Cerati para todos nosotros, es un músico que ni siquiera necesita presentación. Ya todos sabemos que Soda Stereo sin Gustavo no hubiera sido -ni siquiera existido- la mejor banda de Rock de Latinoamérica (y del mundo a mi decadente juicio). Por fortuna el genio de Cerati no se limitó a su colaboración con Charly Alberti y Zeta Bosio y después de la separación de Soda pudo continuar una aclamada carrera como solista que desgraciadamente hoy está truncada debido al terrible accidente cerebrovascular que lo ha mantenido en coma desde el 15 de mayo de 2010.

Bocanada es el segundo álbum en solitario de Gustavo Cerati, pero el primero desde la desintegración de Soda Stereo; un álbum que conocí desde la época en que fue publicado siendo yo un párvulo estudiante de primaria. Siempre he creído que la nostalgia de la infancia me impide ser objetivo con los discos que alegraron mi vida durante aquellas épocas, por lo tanto ya saben lo que diré sobre Bocanada: es una completa obra de arte. Con un sonido menos rockero al que el Gustavo de Soda nos tenía acostumbrados, Cerati introduce elementos Pop, electrónicos e incluso sinfónicos manejados todos con gran maestría y creando una atmósfera de gran misterio y belleza. El tema que da el nombre al disco llega incluso a adentrarse hasta los terrenos del Trip Hop en un viaje sensorial acompañado de las profundas y poéticas letras de Gustavo. No hace falta decirlo, Cerati volverá tarde o temprano porque sabe que todos lo estamos esperando.

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Chico O'Farrill - Heart of a Legend (1999)

Carlitos Santana sigue haciendo a la perfección lo que siempre ha sabido hacer: tocar la guitarra y rodearse de excelentes músicos que lo acompañen. En cuanto a política mejor debería quedarse callado, sobre todo si no está lo suficientemente enterado de ciertos temas como para dar su opinión. Pero bueno, con casi tres horas dedicas a su público uno termina por perdonarle las sandeces que dice.  

Arturo "Chico" O'Farrill (La Habana, 28 de octubre de 1921 - Nueva York, 27 de junio de 2001) fue uno de lo más importantes compositores, directores de orquesta y arreglistas cubanos del siglo XX. Aunque inició su incursión en la música como trompetista, fue hasta su traslado a Nueva York a finales de los 40, en donde se relacionó y trabajó con importantes figuras del Jazz como Benny Goodman, Stan Kenton o Dizzy Gillespie, que decidió dedicarse de lleno a la composición y a los arreglos. Siguiendo las tendencias de fusión entre la música afrocubana y el Jazz de las Big Bands, creó su propia orquesta y tocó un tiempo en el Birdland, uno de los más famoso Jazzclubs de Nueva York. En las décadas posteriores trabajó con una infinidad de artistas, desde Count Bassie hasta David Bowie, pasando por La Lupe, Cal Tjader, Gato Barbieri o Ringo Starr. En los años 70's el furor de las Big Band había terminado, así que Chico O'Farrill prácticamente se retira del Jazz y se dedica a componer música para comerciales televisivos, muchos de los cuales, según el compositor y educador Bobby Sanabria, contrario a lo que podría pensarse, tienen una gran calidad artística. Chico O'Farrill habría de volver al panorama jazzístico en 1995 con la publicación de su aclamado disco Pure Emotion y posteriormente volvió a hacer del Birdland la residencia de su Big Band hasta su muerte en 2001, dejando la dirección de la banda a su hijo, el pianista Arturo O'Farrill. Chico apareció también en el documental de Jazz Latino Calle 54, dirigido por el director español Fernando Trueba.

Considerado como "el arquitecto del Jazz Afrocubano", Chico O'Farrill nunca tuvo una proyección tan grande como la tuvieron Tito Puente, Mario Bauzá, Dizzy Gillespie o Machito & his Afro-Cubans, seguramente debido a su falta de interés por el protagonismo, siempre escondido detrás de los músicos para quienes trabajó. Heart of a Legend, como su anterior Pure Emotion, nos ofrece una visión amplia y bastante rica de lo que ha sido la carrera del maestro O'Farrill. El trabajo va más allá de la nostalgia que podría implicar un recorrido por más de 50 años de música y logra mostrar un sonido lleno de frescura y brillo. Grabado en 1999 y ofreciendo nuevas interpretaciones de composiciones clásicas del maestro, el disco cuenta con la participación de varios de los más importantes y mejores músicos del Latin Jazz y la música afrocubana, entre quienes se encuentran Gary Valente (trombón), Alfredo "Chocolate" Armenteros (trompeta), Paquito D'Rivera (saxo alto y clarinete), Gato Barbieri (saxo tenor), Mario Rivera (saxo soprano y clarinete), Papo Vázquez (trombón), Arturo Sandoval (trompeta), Andy González (bajo), Israel "Cachao" López (bajo), Cándido Camero (congas), Orlando "Puntillita" Ríos (congas, quinto, campana), Carlos Patato Valdés (congas, maracas), Horacio "El Negro" Hernández (batería) y Freddy Cole (voz), entre otros. Heart of a Legend, con su soberbia compenetración entre percusiones y vientos, con sus solos ajustados y precisos, con su sonido unitario y variado al mismo tiempo, con su gran colorido y sutileza, con su sensualidad y su viveza, muestra el gran genio de Chico O'Farrill, uno de los mejores compositores cubanos del siglo XX que aún no recibe el reconocimiento que se merece.

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Santana - Santana III (1971) (Legacy Edition)

Santana, con su ya larguísima carrera, ha estado muchas veces en México, pero no desde que yo lo conocí y me volví un fan declarado de su música, así que entre la emoción y la felicidad de verlo hoy en vivo, decidí subir algo de su música.

Hace tiempo había ya posteado su álbum Abraxas, lanzado en 1970 y que los proyectó y definió (con temas como Black Magic Woman, Oye como Va o Samba pa' ti) después del éxito obtenido con su primer álbum y su exitosa presentación en Woodstock '69. Así que ahora es el turno de Santana III, el siguiente disco del grupo y el último que habría de contar con su alineación original.

Santana III demostró la versatilidad y la habilidad de la banda para seguir rindiendo tributo a sus influencias al mismo tiempo que para seguir evolucionando como músicos y personas y demostrar su creatividad como artistas. La alineación de la banda contó con la adición del apenas diecisieteañero Neal Schon, cuyos solos eran digna competencia para los de Carlos, y del timbalero Coke Escovedo, quien sustituía de forma intermitente al enfermo Chepito Areas. Así, el álbum obtuvo un sonido más crudo, un poco más oscuro y más compacto, con una fuerte base percusiva y con más ferocidad en su conjunto, pero siempre cargado del sabor de la música afrolatina y la pasión y la profundidad de la guitarra de Carlos. Temas como No one to Depend On, Toussaint L'Overture, Guajira y Para los rumberos, cover del maestro Tito Puente, se volvieron parte fundamental de los setlist de la banda. La 2006 Legacy Edition, además de incluir tres frenéticos y deliciosos jams no incluidos en la edición original de 1971, contiene un segundo disco con la fantástica presentación completa de Santana en la última noche del Fillmore West de San Francisco el 4 de Julio de 1971. Uno de los mejores discos que podrás escuchar en tu vida.

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Maylene and the Sons of Disaster - II (2007)

Por fin entendí porqué el examen de admisión para la UNAM lo hacen en universidades particulares: porque, si el alumno no aprueba el examen, ya habrá conocido las instalaciones de otra universidad y así puede que se anime a inscribirse ahí; hasta folletitos te dan. En otros asuntos, en este blog ya se extraña algo que haga agitar la cabeza como desquiciado de la forma en que a todos secremente les gusta hacerlo. Que no se extrañe más.  

Maylene and the Sons of Disaster es una banda de Southern Metalcore procedente de Birmingham, Alabama. Formada en 2004 bajo la égida de Dallas Taylor, ex líder y vocalista de la banda de Metalcore/Post-hardcore Underoath (a quienes ya he posteado por acá), la banda lanza dos inovadores y bien recibidos discos entre 2005 y 2007. En 2008 prácticamente todos los integrantes de la banda la abandonan y dejan solo Dallas Taylor, quien se encargará de reunir una nueva alineación con la cual ha grabado los dos más recientes discos del grupo.  

II es, casi obviamente, el segundo disco de Maylene. Pareciera que un día un grupo de granjeros sureños tomaron sus guitarras eléctricas y decidieron sonar menos a Lynyrd Skynyrd y más a Pantera con una que otra voz limpia. Así que la cosa es sencilla pero arriesgada, genial y única: rock sureño, metalcore, hard rock, rockn'roll en un sólo molde. Una de las bandas más inovadoras de la actual y monótona (sí, ya lo he dicho mil veces) escena actual del Metalcore. A agitar la choya.

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Ennio Morricone - La trilogia del dollaro (1989)

El día de ayer en Twitter existía el hastag #PelículasQueVeríaMilVeces, y aunque en esa lista tengo muchísimas, algunas de las que primero me vinieron a la mente fueron las que conforman la Trilogía del Dólar, trilogía que ha inspirado el post de hoy, cosa muy comprensible para quienes me conocen y saben mi amor por el Spaghetti Western.

Once upon a time it was a man called Sergio Leone and his buddy Ennio Morricone...  

Sergio Leone era un italiano amante del Western americano y como tal tenía todo para reinventar a un género que al parecer ya había ofrecido todo lo que tenía que ofrecer. Fue así que después de ser asistente de Vittorio de Sica y de trabajar en varios Pepla, un día fue al cine, vio Yojimbo de Akira Kurosawa y se dijo: "esto bien puede ser adaptado al Oeste americano, hagámoslo", luego se contrató al todavía insignificante Clint Eastwood, le encargó la composición de la música a Ennio Morricone y se fue a España a filmar. Así nació For a Fistful of Dollars en 1964. La película fue un éxito no sólo en Europa, sino en América. Leone y Morricone habían roto las convenciones de lo que era un Western, de cómo debía verse, de la forma en que sus personajes debían de ser caracterizados e incluso de cómo debía componerse su banda sonora. Los héroes y los villanos habían desaparecido, nuestro protagonista y cada personaje eran presentados con una moralidad dudosa en cada uno de sus actos; los otrora pueblos prósperos asediados por villanos ahora no eran más que pueblos sucios y casi abandonados en donde sólo existía la ley del más rápido en el revólver; la clásica música sinfónica del Western fue remplazada por el ingenio de Ennio Morricone y esos temas cuyos ritmos imitaban el cabalgar de lo caballos y cuyas melodías de tipo folk, llenas de gritos y silbidos, lograban transmitir las emociones de nuestros personajes y el ambiente en el que se ubicaban. Akira Kurosawa fue a ver el film, quedó satisfecho y dijo que le había gustado, lo cual no impidió que demandara a Leone por cuestiones de derechos de autor. Clint Eastwood obtuvo un gran impulso en su carrera como actor y Ennio Morricone, aunque trabajó en muchos otros importantes proyectos, fue asociado para siempre con el género que Sergio Leone acababa de inventar.

Sergio Leone habría de completar la Trilogía del Dólar con For a Few Dollars More (1965) y con la multiaclamada obra épica The Good, the Bad and the Ugly (1965), ambas con la participación Clint Eastwood y Lee Van Cleef como protagonistas, y con un Ennio Morricone encargado de la banda sonora. Después de eso Leone filmó dos Spaghetti Western más, Once Upon a Time in the West (1968) y Duck You, Sucker! (1975) de igual calidad y muy fieles al estilo que se había forjado con los tres primeros, sin olvidarse de Ennio Morricone para la parte musical. Leone sólo volvería 10 años después a la pantalla grande con una obra magna del cine de gángsters y una de las mejores en la historia del cine: Once upon a Time in America. En 1989 muere de un ataque al corazón.

Sergio Leone, aunque no fue el único ni el mejor director de Spaghetti Westerns (Sergio Corbucci y Sergio Solima muy bien estuvieron a su nivel), sí fue el único que tuvo proyección internacional y que mayor influencia ha ejercido en el cine: ahí tenemos la música de El bueno, el malo y el feo o los muchos refritos de Ennio Morricone sonando a cada rato, así como también los mexican standoffs con planos cerradísimos enfocando la mirada de cada uno de los rivales, cambiando hacia plano general que nos permite observar toda la situación para luego volver a cerrarse y enfocar el arma que cada cual trae y así de una forma cíclica, con esa música de fondo que prolonga la tensión hasta el momento del disparo final. Desde el cine violento de Tarantino, el hijo bastardo del clase B, hasta El Gato con Botas, podemos ver detrás a un Sergio Leone.

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The Church - Starfish (1988)

Hace algunos años los 80's me parecían una pésima década, principalmente porque a mis ojos no había mucha música "buena" que se hubiera desarrollado en esos años. Fatal error mío. Lo que pasaba era que en mi cerrazón yo no me había dado el tiempo de escuchar suficientes cosas como para tener una opinión verdaderamente informada. Al final me pude abrir y descubrí que los 80's engendraron varios álbumes que ahora incluyo en mi lista de favoritos.

The Church es una banda australiana de Post Punk/New Wave/Alt-rock formada en 1980 en la ciudad de Sidney. Integrados por Steve Kilbey (bajo y voz), Peter Koppes (guitarra), Marty Willson-Piper (guitarra) y Richard Ploog (batería y percusiones), esta alineación se mantuvo constante durante más de 10 años hasta que Tim Powles remplazó a Richard Ploog en 1994. Con un estilo musical en constante transformación y evolución, yendo desde el New Wave hasta el Prog-rock, y con una extensa discografía compuesta por 20 álbumes, varias compilaciones y otro puñados de EP's y singles, The Church ha devenido en una de las bandas de Rock más importantes de la tierra de Mad Max.

Starfish es el 5to álbum de la banda, uno de sus más populares entre el público y entre la banda misma y uno de mis favoritos en la vida. El disco es magia pura, melancolía pura, poesía pura. Riffs de guitarra que crean texturas de ensueño y atmosféricas, que con sus melodías junto a los teclados no hacen sino mantener el misterio y la tensión, la voz de Steve Kilbey grave y encantadora, la batería con su cambios entre la tranquilidad y la dureza, las letras enigmáticas. Un álbum tan indescifrable como hermoso. El disco contiene Under the Milky Way, esa hipnotizante canción tocada con una guitarra de 12 cuerdas y que terminó por convertirse en la más conocida del grupo; sin olvidarnos de Reptile, con su sonido eterno, oscuro y melancólico, en mi opinión la mejor canción del disco y una de las mejores en la historia del Rock.

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Deodato - Deodato 2 (1973)

Este clima lleno de lluvia y frío no deja a la gente cuerda ser feliz en las calles, pero por fortuna siempre está la posibilidad de encerrarnos en el calor de nuestros hogares y poner un disco, cosa que a todos (casi como obligación moral) debe hacer felices.

Eumir Deodato es un tecladista, pianista, compositor, productor y arreglista de origen brasileño. Nacido en 1943, músico autodidacta y estudiante de ingeniería, se movió a Nueva York en 1967 con el fin de desarrollar su carrera musical. Así fue como durante los 60's y 70's pudo desarrollar un trabajo más personal y orientado al Jazz Funk y al Jazz Fusion, destacándose por sus versión funky de Also Sprach Zarathustra de Richard Strauss (popularizada gracias a la épica 2001: A Space Odissey de Kubrick), la cual le valió un premio Grammy y una pronta fama mundial. Ya entrados los ochentas y en adelante desarrolló su carrera principalmente como arreglista y productor, trabajando para importantes y diversos músicos, tales como Astrud Gilberto, Carlos Jobim, Wes Montgomery, Aretha Franklin, Frank Sinatra, Kool & the Gang, Björk o Tricky; sin embargo, también ha seguido lanzando sus propios álbumes o creando música para películas.

Yo hoy traigo su segundo álbum americano, Deodato 2, el cual no es sino una de las mejores lecciones de cómo hacer Jazz Funk/Fussion. El disco en ocasiones le hace pequeños guiños al Rock, principalmente en esos excitantes solos de guitarra a cargo de John Tropea, pero todo el tiempo tenemos los teclados de Deodato que, ya sea como acompañantes armónicos o como protagonistas de electrónicos y electrizantes solos, dejan en claro que el Funk es el jefe (sobre todo cuando el clásico Fender Rhodes hace de las suyas y nos hace suyos). Con una sección de vientos de apariciones breves pero fuertes y dramáticas, con líneas de bajo potentes y directas que marcan junto a la batería ritmos concisos que te levantan de tu asiento, con riffs pegajosos, Deodato 2 es un disco imperdible.

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Esquivel - Other Worlds Other Sounds (1958)

Después de mi ignorada disertación sobre la SOPA y los derechos de autor y antes de que Mediafire cierre o imponga restricciones a sus descargas, es momento de postear un disco más para mis inexistentes lectores del blog.

Juan García Esquivel fue un compositor, pianista y arreglista mexicano del que ya he hablado antes. Other Worlds Other Sounds fue su segunda grabación americana y la primera en la que el rey del Space Age Pop experimentó con el sonido estereofónico, algo que en su tiempo era toda una innovación en la industria musical. El álbum, que ya con su magnífica portada cósmica anima e intriga, se compone de Jazz standards llenos de calor, alegría y extravagancia, sello inconfundible de los arreglos de Esquivel. Las inolvidables e imposibles de no cantar voces ("zu zu zu", "ahh", "ooh") estuvieron a cargo de los Randy Van Horne Singers, intérpretes de temas de caricaturas clásicas como Los Supersónicos, Los Picapiedra y Don Gato y su pandilla. Nominado al Grammy a la mejor orquesta, con vientos explosivos, percusiones exóticas, efectos y sonidos extraños, Other Worlds Other Sounds es un álbum en el que lo estrafalario y lo encantador se encuentran.

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Sobre el cierre de Megaupload y la ley SOPA

En pleno furor del cierre de Megaupload y de la suspendida votación por la ley SOPA iba a subir un disco, pero mejor decidí redactar algo referente al controversial tema. Quisiera tener una opinión precisa y clara respecto a tal ley, a las descargas de la red y a los derechos de autor, sin embargo no es así y por tanto todo lo que haré será una disertación que tal vez no llegue a ningún lado.

Yo estoy en contra de los intereses millonarios de las disqueras y compañías cinematográficas, pero estoy a favor de que un artista pueda vivir de la venta de sus obras; estoy en contra de la censura de información y de la cultura, pero también estoy consciente de que la cultura y la información no tiene por qué ser precisamente gratuitas; estoy a favor de la difusión y el compartir, ¿pero hasta qué punto se tiene algo compartido y cuándo esto se convierte en algo robado?; ¿qué hay de cuando no disponemos de medios económicos para adquirir una obra original y tenemos que conseguirla en forma pirata? Como muchos, yo crecí pensando que todo lo que estaba en la red era gratuito, pero creo que es hora de darnos cuenta de que detrás de cada producto hubo un trabajo físico e intelectual que debemos valorar y recompensar; debemos darnos cuenta de que aunque no tengamos un disco o película en forma física, lo tenemos en forma digital y podemos hacer uso de él. Sería hipócrita decir que estoy en contra de las descargas ilegales porque no es así y mi blog lo demuestra, pero tal vez éstas dejarán de ser ilegales cuando las disqueras y cinematográficas se interesen en más en el público que en las ganancias millonarias, cuando tengamos una educación que nos permita valorar el trabajo de los artistas y pagarles lo que les corresponde, cuando nuestros modelos y sistemas económicos nos permitan tener ingresos que alcancen a cubrir nuestras necesidades tanto fisiológicas como culturales.

El tema es bastante amplio y complicado para un neófito como yo que sólo puede verlo desde su limitada perspectiva sin aportar mucho y sin concluir nada. Así que por el momento sólo me queda exhortarlos a que, en la medida de sus posibilidades económicas, traten de valorar el trabajo de los artistas y pagar por él, ya sea en forma de conciertos, compras física de discos, libros y películas o en tiendas online (aunque yo soy oldschool y siento más bonito el tener un disco en mis manos, pero será mejor no tocar el tema porque se podrían poner ecologistas); y si no pueden, sigan descargando y usando el material online pues si ya está en línea hay que aprovecharlo y nutrirnos de él.

Arturo Sandoval - Danzón (Dance On) (1994)

Vamos directo al grano: la música.

Arturo Sandoval es uno de los más importantes trompetistas de Jazz y música latina en la actualidad. También pianista y compositor, nació en Artemisa, Cuba, en 1949. Formó parte de Irakere, una de las bandas más importantes de Jazz cubano, al lado de otros grandes como el saxofonista Paquito D'Rivera y el pianista Chucho Valdés. Es un discípulo directo de Dizzy Gillespie, pionero del Bebop y del Latin Jazz en los 40's, a quien consideraba como su padre espiritual y con quien compartió escenarios. Arturo Sandoval también ha desarrollado su carrera interpretando música clásica y como profesor en distintas universidades.

Danzón (Dance On) es uno de los discos más famosos de Arturo y el primero en recibir el premio Grammy al mejor álbum de Jazz Latino. Además de componer y tocar la trompeta, el fliscorno, las percusiones y el teclado, Arturo canta y hasta hace scat en una reinterpretación del clásico Groovin' High de Dizzy Gillespie. Y a pesar de que la trompeta de Sandoval se luce con solos llenos de vigor y virtuosismo, los demás músicos complementan el trabajo y producen un sonido unitario y completo. El line-up de más de veinte músicos y con varios nombres ya muy conocidos en la escena del Latin Jazz (Dave Valentín, Danilo Pérez, Giovanni Hidalgo, Ed Calle, entre otros), nos ofrece una variedad de ritmos afrocubanos (Danzón, Bolero, Son, Guaguancó) vistos desde una perspectiva actual, pero sin perder la magia tradicional que los caracteriza. Uno de mis álbumes favoritos en el género.

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Los Straitjackets - Damas y Caballeros! (2001)

¿Qué les cuento? Por segundo año consecutivo los Reyes Magos no me trajeron ni mi muñeca inflable, ni mi caja de condones, ni mi paquete de películas porno... ¡ni me bicicleta! Comienzo a sospechar que toda esta catástrofe se debe a que, como envío mi carta en globo, seguramente éste se queda atorado en algún cable de luz. Pero el próximo año corto los cables y la energía a toda mi cuadra, van a ver...

Los Straitjackets es una banda de Surf rock formada en Nashville, Tennessee en 1988. Con una ruptura prematura, la banda tomó forma realmente en 1994, año en el que comenzaron a grabar discos. Son conocidos por sus shows con gogós, su idéntica vestimenta, sus máscaras de lucha libre y la forma en que el guitarrista Danny Amis suele presentar las canciones hablando español. A la fecha los muchachos, no tan muchachos ya, han grabado once álbumes de estudio y tres directos.

El Surf es un género del que no puedo hablar mucho pues mis únicas referencias son Lost Acapulco, a quienes escuchaba de niño por influencia de mi hermano, y el clásico soundtrack de Pulp Fiction; sin embargo, me atrevo a subir este disco porque me ha tenido atrapado ya durante varias semanas con su potente, vivo y colorido sonido. Es un álbum en vivo que captura toda la energía y sinceridad que la banda pone en el escenario y la forma en que el público responde a éstas. Con canciones originales así como con magníficos covers de temas como My Heart Will Go On de Celine Dion, Sleepwalk de Santo & Johnny, Rawhide de Link Wray o Sing Sing Sing de Benny Goodman, éste es un disco en donde Los Straitjackets no pueden sino hacerte sonreír y mover el cuerpo durante 60 minutos.

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