Brownout - Aguilas and Cobras (2009)

Con esta época de calores yo sé que más de uno se ha visto tentado a unirse a las muchedumbres de niños aventurados que atestan las fuentes citadinas so riesgo de contraer enfermedades gastrointestinales, que más de uno ha estado en hora pico en el metro sintiendo cómo le sudan hasta las almorranas mientras ve al clásico gordito que sufre porque suda y suda como si una fuerza oculta lo exprimiera, que más de uno -yo incluido- se ha quitado la playera en plena concentración de cuerpos para luego volvérsela a poner a causa de la impetuosidad de las chicas que comienzan a perseguirlo. Pero siempre faltará la música que armonice con estos tiempos de radiación solar y cáncer de piel, de lentes oscuros y shorts, de escotes y ojos salidos y perversos; y, cual si fuera ese DJ incómodo que se ligó a mi ex, esa la pongo yo, que por algo me llamo Musicacio.

Brownout es una banda de Latin Funk proveniente de Austin, Texas. Creada como proyecto alterno de Grupo Fantasma por ocho de sus miembros, lanzaron en 2008 su primer álbum titulado Homenaje. Desde ese momento a la fecha la banda ha grabado ya tres discos de estudios y uno de remixes, además de haberse presentado en diversos escenarios y festivales internacionales, incluido el famoso y ahora hispterizado Coachella.

Herederos de la música Soul de James Brown, del Funk de Sly Stone, de la oleada Jazz-rock/Funk de San Francisco (Malo, Santana, El Chicano) y del boom salsero en Nueva York durante los 70's, Brownout ha sabido aprovechar todas sus influencias y crear a partir de ellas un sonido verdaderamente original e inovador. Aguilas and Cobras es el segundo disco del grupo y, al igual que con su primer álbum, las referencias a la cultura mexicana y a la vida fronteriza están presentes a lo largo de álbum. Con dos guitarras, bajo, batería, teclado, congas y bongós, saxo, trompeta y trombón, estos texanos logran crear un ambiente único en donde la electricidad del urbanismo norteamericano convive con la aridez del desierto mexicano y con la frescura las islas caribeñas, en donde las fronteras musicales y culturales se han desvanecido en nombre del baile y la fiesta, de la música y el placer.

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Roy Hargrove's Crisol - Habana (1997)

Alguien díganlennn a mi vecina que me urge verla, carajo.

Roy Hargrove es un trompetista originario de Waco, Texas, que fue descubierto e impulsado por el controversial también trompetista Wynton Marsalis. La carrera de Hargrove, ya sea como líder o como músico acompañante, se ha desarrollado por distintos estilos, desde el Post-bop, el Hard-bop, el Jazz contemporáneo, el Soul, el Funk, el Latin Jazz y hasta el Hip Hop.

Pero es su faceta en el Jazz Latino la que aquí interesa. Un día, después de un viaje a Cuba a invitación del pianista Chucho Valdés para tocar en el festival anual de Jazz de la Habana, el manager de Hargrove se dio cuenta de que Roy y su quinteto tenían potencial para crear algo grandioso al lado de los músicos cubanos. Así fue como nació Crisol, banda integrada por Chucho Valdés en el piano, Horacio "el Negro" Hernández en la batería, Jose Luis "Changuito" Quintana en los timbales, Miguel "Anga" Diaz en las congas, David Sanchez y Gary Bartz en los saxofones, Frank Lacy en el trombón, John Benitez en el bajo y Russell Malone en la guitarra, con Hargrove mismo como líder. El resultado de fundir a todos estos músicos, cubanos y americanos, en un crisol musical fue una presentacion en el Umbria Jazz Winter en el año de 1996, la cual para nuestra fortuna fue grabada y posteriormente lanzada en CD. Habana se tituló el disco y, a mi juicio, es uno de los mejores disco de Latin Jazz jamás hecho, incluso yendo más allá de lo que uno entiende con este término. Ritmos complejos, atrevidos y muy ricos; improvisaciones expresivas y frescas; un entendimiento perfecto; todo está en su lugar y nada ni nadie falla.

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Fear Before - Selt Titled (2008)

Yo desde ayer por la noche estoy que muero de risa pues, como algunos saben, soy un ser sumamente SIMPLÓN, así con sus siete letrotas, y es que resulta que un reportero de Televisa dijo Peña "Nieta", así como lo oyen, queridos lectores, lo leo, lo escucho y río como tonto. En fin... si son tan simplones como yo, acá encontrarán el video con la gracia de la semana. ¡Peña Nieta!

Fear Before es una banda de Mathcore/Post-hardcore originaria de Aurora, Colorado, cuya vida inició en 2002 bajo el nombre de Fear Before the March of Flames y con el cual editaron sus tres primeros discos. Los dos primeros de estos se distinguen por un sonido más Math y furioso, mientras que desde su tercer disco los muchachos se relajaron un poco, introduciéndose al mundo del Post-hardcore en su parte más experimental.

Fear Before es el cuarto disco del grupo, pero el primero bajo el nuevo nombre, cosa que para nada ha sido gratuita: la banda ha cambiado lo suficiente su sonido como para merecerse un nuevo nombre. Dejando a un lado los gritos típicos de toda forma de Hardcore, nos ofrecen ahora unas voces en momentos desgarradoras, en momentos melódicas y dementes; las guitarras abandonan un poco la distorsión para crear cierto sonido más "ambiental" y a veces Noise. Claro que duros y potentes riffs así como baterías y ritmos intensos siguen estando presentes, pero la atmósfera del álbum da más bien la impresión de cierto "ruido melódico", de cierta pesadilla. Cabe hacer cierta comparación entre el sonido de Fear Before y el de Circa Survive, sobre todo porque ambos grupos comparten ese sonido ambiental de fondo; sin embargo, el sonido de Circa Survive resulta más melódico y melancólico, mientras que Fear Before se decanta por lo agresivo y angustioso. O ustedes juzguen.

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Soda Stereo - Comfort y Música Para Volar: Unplugged (1996)

Ustedes no están para saberlo ni yo para contarlo, pero ahora soy más feliz que la semana pasada y muchas varias anteriores y eso merece celebrarse con un disco de esos que son perfectos. 

Por ahí he escuchado que Soda Stereo fueron los Beatles del Rock Latinoamericano. No quiero entrar en discusiones, no soy seguidor de los Beatles y lo que conozco de ellos no es nada más que lo que uno escucha mientras va viviendo, esos temas parte de la cultura popular; sin embargo, estoy seguro de que intentar hacer cualquier comparación entre las dos bandas es simplemente anacrónico y un sinsentido. Júzguenme y acábenme, The Beatles son prescindibles para mí, Soda Stereo no lo es y nunca lo será.

Comfort y música para volar fue prácticamente el último disco de Soda (omitiendo El último concierto A y B y los Me verás volver de la gira de reencuentro). Todos sabemos que la idea original de un concierto MTV Unplugged es hacer versiones acústicas de las temas. Pues bien, Soda no hizo precisamente esto y mejor se dio el lujo de usar elementos electrónicos y experimentales para su presentación; de ahí que la portada diga unplugged, ¿quién les iba a negar algo a estos argentinos? Del concierto original sólo hay 7 canciones debido a problemas de derechos de autor entre las disqueras Sony y BMG (el concierto completo se incluyó en la reedición de 2007 gracias a la unión de éstas), las 4 restantes fueron aquellas que no pudieron entrar en la versión final de esa otra obra maestra -¡pero si todos los discos de Soda son obras maestras!- del año 1995 llamada Sueño Stereo. Entre los músicos invitados destaca Andrea Echeverri, vocalista del grupo Aterciopelados, quien cantó junto a Gustavo En la ciudad de la furia, en una de sus versiones más hermosas jamás hechas. La sección en vivo, que sí tuvo sus partes acústicas, fue armonizada de manera sublime por los arreglos de viola, violín y fagot a cargo de los hermanos Fainguersch. En los temas de estudio Planeador es el momento cumbre pues, en su suavidad y onirismo, es capaz de hacerte volar a través de una atmósfera frágil, apacible y llena de belleza. En fin... mis elogios nunca serán suficientes para hacerle justicia a la mejor banda que ha pisado este planeta.

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Gustavo Cerati - Bocanada (1999)

Las estupideces nunca faltan entre muchos músicos que, contrario a lo que uno creería (o quisiera creer), tienen un conocimiento un tanto desinformado de la situación política de su país. Si ya Carlos Santana hace dos semanas andaba pronunciándose a favor de Vázquez Mota (y también de la otra Mota, la verde), ahora le tocó a Rubén Albarrán de Café Tacvba decir que "no hay que participar" en el próximo proceso electoral, sin detenerse a pensar en las nefastas consecuencias que nos trae el abstencionismo, ni en lo irresponsable que es que alguien como él, con millones de chavos siguiéndolo de cerca a él y a su música, promueva este tipo de acciones que no logra sino aumentar la apatía política entre los jóvenes mexicanos, la cual si bien puede ser justificada también debe ser bien encauzada. En fin... mi blog es de música, ¡chingao!

Gustavo Adrián Cerati Clark (Buenos Aires, Argentina, 1959), nomás Gustavo Cerati para todos nosotros, es un músico que ni siquiera necesita presentación. Ya todos sabemos que Soda Stereo sin Gustavo no hubiera sido -ni siquiera existido- la mejor banda de Rock de Latinoamérica (y del mundo a mi decadente juicio). Por fortuna el genio de Cerati no se limitó a su colaboración con Charly Alberti y Zeta Bosio y después de la separación de Soda pudo continuar una aclamada carrera como solista que desgraciadamente hoy está truncada debido al terrible accidente cerebrovascular que lo ha mantenido en coma desde el 15 de mayo de 2010.

Bocanada es el segundo álbum en solitario de Gustavo Cerati, pero el primero desde la desintegración de Soda Stereo; un álbum que conocí desde la época en que fue publicado siendo yo un párvulo estudiante de primaria. Siempre he creído que la nostalgia de la infancia me impide ser objetivo con los discos que alegraron mi vida durante aquellas épocas, por lo tanto ya saben lo que diré sobre Bocanada: es una completa obra de arte. Con un sonido menos rockero al que el Gustavo de Soda nos tenía acostumbrados, Cerati introduce elementos Pop, electrónicos e incluso sinfónicos manejados todos con gran maestría y creando una atmósfera de gran misterio y belleza. El tema que da el nombre al disco llega incluso a adentrarse hasta los terrenos del Trip Hop en un viaje sensorial acompañado de las profundas y poéticas letras de Gustavo. No hace falta decirlo, Cerati volverá tarde o temprano porque sabe que todos lo estamos esperando.

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Chico O'Farrill - Heart of a Legend (1999)

Carlitos Santana sigue haciendo a la perfección lo que siempre ha sabido hacer: tocar la guitarra y rodearse de excelentes músicos que lo acompañen. En cuanto a política mejor debería quedarse callado, sobre todo si no está lo suficientemente enterado de ciertos temas como para dar su opinión. Pero bueno, con casi tres horas dedicas a su público uno termina por perdonarle las sandeces que dice.  

Arturo "Chico" O'Farrill (La Habana, 28 de octubre de 1921 - Nueva York, 27 de junio de 2001) fue uno de lo más importantes compositores, directores de orquesta y arreglistas cubanos del siglo XX. Aunque inició su incursión en la música como trompetista, fue hasta su traslado a Nueva York a finales de los 40, en donde se relacionó y trabajó con importantes figuras del Jazz como Benny Goodman, Stan Kenton o Dizzy Gillespie, que decidió dedicarse de lleno a la composición y a los arreglos. Siguiendo las tendencias de fusión entre la música afrocubana y el Jazz de las Big Bands, creó su propia orquesta y tocó un tiempo en el Birdland, uno de los más famoso Jazzclubs de Nueva York. En las décadas posteriores trabajó con una infinidad de artistas, desde Count Bassie hasta David Bowie, pasando por La Lupe, Cal Tjader, Gato Barbieri o Ringo Starr. En los años 70's el furor de las Big Band había terminado, así que Chico O'Farrill prácticamente se retira del Jazz y se dedica a componer música para comerciales televisivos, muchos de los cuales, según el compositor y educador Bobby Sanabria, contrario a lo que podría pensarse, tienen una gran calidad artística. Chico O'Farrill habría de volver al panorama jazzístico en 1995 con la publicación de su aclamado disco Pure Emotion y posteriormente volvió a hacer del Birdland la residencia de su Big Band hasta su muerte en 2001, dejando la dirección de la banda a su hijo, el pianista Arturo O'Farrill. Chico apareció también en el documental de Jazz Latino Calle 54, dirigido por el director español Fernando Trueba.

Considerado como "el arquitecto del Jazz Afrocubano", Chico O'Farrill nunca tuvo una proyección tan grande como la tuvieron Tito Puente, Mario Bauzá, Dizzy Gillespie o Machito & his Afro-Cubans, seguramente debido a su falta de interés por el protagonismo, siempre escondido detrás de los músicos para quienes trabajó. Heart of a Legend, como su anterior Pure Emotion, nos ofrece una visión amplia y bastante rica de lo que ha sido la carrera del maestro O'Farrill. El trabajo va más allá de la nostalgia que podría implicar un recorrido por más de 50 años de música y logra mostrar un sonido lleno de frescura y brillo. Grabado en 1999 y ofreciendo nuevas interpretaciones de composiciones clásicas del maestro, el disco cuenta con la participación de varios de los más importantes y mejores músicos del Latin Jazz y la música afrocubana, entre quienes se encuentran Gary Valente (trombón), Alfredo "Chocolate" Armenteros (trompeta), Paquito D'Rivera (saxo alto y clarinete), Gato Barbieri (saxo tenor), Mario Rivera (saxo soprano y clarinete), Papo Vázquez (trombón), Arturo Sandoval (trompeta), Andy González (bajo), Israel "Cachao" López (bajo), Cándido Camero (congas), Orlando "Puntillita" Ríos (congas, quinto, campana), Carlos Patato Valdés (congas, maracas), Horacio "El Negro" Hernández (batería) y Freddy Cole (voz), entre otros. Heart of a Legend, con su soberbia compenetración entre percusiones y vientos, con sus solos ajustados y precisos, con su sonido unitario y variado al mismo tiempo, con su gran colorido y sutileza, con su sensualidad y su viveza, muestra el gran genio de Chico O'Farrill, uno de los mejores compositores cubanos del siglo XX que aún no recibe el reconocimiento que se merece.

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Santana - Santana III (1971) (Legacy Edition)

Santana, con su ya larguísima carrera, ha estado muchas veces en México, pero no desde que yo lo conocí y me volví un fan declarado de su música, así que entre la emoción y la felicidad de verlo hoy en vivo, decidí subir algo de su música.

Hace tiempo había ya posteado su álbum Abraxas, lanzado en 1970 y que los proyectó y definió (con temas como Black Magic Woman, Oye como Va o Samba pa' ti) después del éxito obtenido con su primer álbum y su exitosa presentación en Woodstock '69. Así que ahora es el turno de Santana III, el siguiente disco del grupo y el último que habría de contar con su alineación original.

Santana III demostró la versatilidad y la habilidad de la banda para seguir rindiendo tributo a sus influencias al mismo tiempo que para seguir evolucionando como músicos y personas y demostrar su creatividad como artistas. La alineación de la banda contó con la adición del apenas diecisieteañero Neal Schon, cuyos solos eran digna competencia para los de Carlos, y del timbalero Coke Escovedo, quien sustituía de forma intermitente al enfermo Chepito Areas. Así, el álbum obtuvo un sonido más crudo, un poco más oscuro y más compacto, con una fuerte base percusiva y con más ferocidad en su conjunto, pero siempre cargado del sabor de la música afrolatina y la pasión y la profundidad de la guitarra de Carlos. Temas como No one to Depend On, Toussaint L'Overture, Guajira y Para los rumberos, cover del maestro Tito Puente, se volvieron parte fundamental de los setlist de la banda. La 2006 Legacy Edition, además de incluir tres frenéticos y deliciosos jams no incluidos en la edición original de 1971, contiene un segundo disco con la fantástica presentación completa de Santana en la última noche del Fillmore West de San Francisco el 4 de Julio de 1971. Uno de los mejores discos que podrás escuchar en tu vida.

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Maylene and the Sons of Disaster - II (2007)

Por fin entendí porqué el examen de admisión para la UNAM lo hacen en universidades particulares: porque, si el alumno no aprueba el examen, ya habrá conocido las instalaciones de otra universidad y así puede que se anime a inscribirse ahí; hasta folletitos te dan. En otros asuntos, en este blog ya se extraña algo que haga agitar la cabeza como desquiciado de la forma en que a todos secremente les gusta hacerlo. Que no se extrañe más.  

Maylene and the Sons of Disaster es una banda de Southern Metalcore procedente de Birmingham, Alabama. Formada en 2004 bajo la égida de Dallas Taylor, ex líder y vocalista de la banda de Metalcore/Post-hardcore Underoath (a quienes ya he posteado por acá), la banda lanza dos inovadores y bien recibidos discos entre 2005 y 2007. En 2008 prácticamente todos los integrantes de la banda la abandonan y dejan solo Dallas Taylor, quien se encargará de reunir una nueva alineación con la cual ha grabado los dos más recientes discos del grupo.  

II es, casi obviamente, el segundo disco de Maylene. Pareciera que un día un grupo de granjeros sureños tomaron sus guitarras eléctricas y decidieron sonar menos a Lynyrd Skynyrd y más a Pantera con una que otra voz limpia. Así que la cosa es sencilla pero arriesgada, genial y única: rock sureño, metalcore, hard rock, rockn'roll en un sólo molde. Una de las bandas más inovadoras de la actual y monótona (sí, ya lo he dicho mil veces) escena actual del Metalcore. A agitar la choya.

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